La storia

Primo moderno vs tardo moderno vs post moderno?

Primo moderno vs tardo moderno vs post moderno?



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Mi imbatto spesso in questi tre termini, ma non sono riuscito a trovare una fonte che spieghi con precisione la differenza tra tutti e tre.

Ecco quello che penso di sapere ora:

  • Il primo periodo moderno è all'incirca tra il 1500 e il 1800. Inizia con l'esplorazione europea e termina intorno al periodo della Rivoluzione francese.

  • Il periodo tardo moderno segue il primo periodo moderno e termina intorno alla seconda guerra mondiale.

Ora, ecco dove mi sono perso:

1) Il periodo moderno è definito sia dal periodo moderno che dal periodo tardo moderno?

2) Come si inserisce nel quadro il periodo "postmoderno"? Dovrebbe logicamente seguire il periodo tardo moderno, ma alcune fonti si riferiscono a questo periodo anche come "era moderna". Il che non ha senso per me perché non è "l'era moderna", è "postmoderna".


Postmoderno

Questo è un culturale piuttosto che a scienza storica termine. Si riferisce al ragionamento contemporaneo che si può anche chiamare ultra-relativismo, vale a dire, non solo che qualsiasi dichiarazione veridicità è relativo, ma è significato è anche relativo.

Moderno et al

Penso che questa terminologia andato come questo:

  1. Premoderno: 1500-1800
  2. Moderno: 1800-WW2
  3. Contemporaneo: dopo la seconda guerra mondiale

Questa terminologia aveva senso fino alla caduta del muro di Berlino, ma ora, credo, ha più senso la seguente divisione:

  1. Premoderno: 1500-1800 (si gettano le basi per la dominazione occidentale)
  2. Moderno: 1800-1910 (l'Occidente domina il mondo dall'aspetto moderno)
  3. WW: 1910-1945 (il dominio dell'Occidente si sgretola mentre combatte se stesso)
  4. Guerra Fredda: 1945-1990 (l'Occidente è ora diviso lungo linee ideologiche piuttosto che puramente nazionali)
  5. Contemporaneo: 1990-oggi (molte questioni correlate sembrano critiche ora, ma sapremo quali erano veramente importanti solo quando questo periodo finirà)

La linea di fondo

Se commetti 4 errori di battitura nella parola "latte", potresti ottenere la parola "birra" invece. Le persone si sentono libere di ridefinire i termini che usano a loro piacimento.


Mele e arance.

Non credo che ci siano definizioni ufficiali o anche convenzionali per nessuno di questi termini; variano a seconda del contesto. Se stai parlando con un paleontologo, la definizione dell'era moderna sarà molto diversa dalle definizioni usate da uno storico specializzato in "Democrazia" o "diritti delle donne", o altro.

"Postmoderno" non è - almeno secondo me - un termine con un significato solido nella storia. Il postmodernismo ha un significato nell'arte e nella filosofia, ma non AFAIK nella storia. Un mio amico ha suggerito il gioco del bere postmoderno in cui ogni giocatore tenta di definire "postmoderno". Tutti bevono a meno che due definizioni corrispondano. Lo propone perché è l'unico modo per porre fine a qualsiasi discussione su cosa significhi postmoderno. (e il processo di chiusura della discussione è lontano più divertente della discussione) La migliore definizione che abbia mai letto è in Perl il primo linguaggio di programmazione postmoderno

Regola del pollice?

  • Premoderno è la convinzione che io abbia ragione e tu abbia torto.

  • Moderna è la convinzione che io abbia ragione e che quando ti avrò spiegato a sufficienza, ti renderai conto che sei d'accordo con me.

  • Il postmoderno è la convinzione che abbiamo entrambi ragione, e che se passiamo abbastanza tempo a parlarne, non riusciremo mai a fare nulla, quindi la migliore linea d'azione è ignorare il problema. (e secondo le regole di cui sopra, a meno che tu non sia d'accordo con me, siamo entrambi obbligati a bere uno shot ora.)


In olandese è molto più semplice: 1500-1800 è il nieuwe tijd, che si traduce in tempo nuovo, e dal 1800 ad oggi è il periodo hedendaagse, che si traduce in periodo contemporaneo. Non ho mai sentito di una distinzione per il periodo successivo alla seconda guerra mondiale.

Forse posso aiutarti con la prima domanda però: definiamo l'inizio della prima età moderna da eventi come la caduta di Bisanzio nel 1453, l'invenzione della stampa da parte di Gutenberg nello stesso periodo e la scoperta dell'America da parte di Colombo. La fine è definita principalmente dalla rivoluzione francese e americana e dalla caduta di Napoleone.

Ho sentito parlare del periodo postmoderno prima, ma mai nelle lezioni di storia, solo scienze del comportamento (al liceo). Ho appena fatto una rapida ricerca su Google e sembra che quasi tutti i risultati riguardino letteratura, architettura e cultura in generale. Penso che sia usato raramente nella storia.


I periodi in questi termini normalmente riguardano le arti (filosofia, teatro, belle arti, ecc.) e come vengono effettuate da tutte le discipline e campi del pensiero. Le idee che vengono inventate durante un periodo, raggiungono un livello di accettazione e vengono incorporate nel nuovo pensiero con il passare dei decenni, possono aiutare a definire un nuovo periodo che segue dal fatto che viene cucito nel lavoro del periodo nuovo/successivo.

Ad esempio, la filosofia di Friedrich Nietzsche - prendiamo il suo lavoro sull'ideale estetico, è stata incorporata nel pensiero durante il periodo del modernismo, e poi è emersa dalla letteratura in un nuovo periodo, chiamato postmodernismo. Può essere visto nella letteratura degli anni '60 e '70, e successivamente. Lo stesso con Einstein, che pensa allo spazio/tempo, e Cezanne, i cui dipinti hanno sperimentato queste idee, è stato portato avanti nel lavoro di Pablo Picasso attraverso il moderno e nel postmodernismo.

Questo è un riassunto o una prospettiva su come funzionano i periodi. Più studi queste aree, più sarà chiaro.


I termini tendono ad essere ragionevolmente ben definiti all'interno di un campo di studio, ma essenzialmente non c'è coordinamento tra i campi, almeno non nell'Anglosfera.

Ad esempio, nella linguistica storica, l'inglese antico moderno è il periodo della lingua dall'inizio della dinastia Tudor alla Restaurazione, quando iniziò la transizione alla forma moderna della lingua. L'inglese medio, prima dei Tudor, è abbastanza difficile da leggere per chi parla l'inglese moderno. L'inglese antico moderno, come la lingua originale della Bibbia di Re Giacomo e di Shakespeare, è abbastanza comprensibile, sebbene l'ortografia sia spesso modernizzata al giorno d'oggi. Il vero inglese moderno è stato scritto dalla metà del XVIII secolo in poi e non presenta problemi, anche se spesso è possibile dire approssimativamente quando qualcosa è stato scritto cambiando le mode nell'uso delle parole e negli idiomi.

Quindi l'inglese moderno si è formato prima della fine del primo periodo moderno dell'OP, e non esiste un periodo "postmoderno" in linguistica; come altri hanno detto, questo è un termine culturale, piuttosto che storico.


Ecco una spiegazione cronologica per i suddetti periodi storici (occidentali):

  1. Storia moderna: inizia con il Rinascimento italiano settentrionale intorno al 1400 d.C./CE. Il periodo della prima età moderna include anche l'ascesa dell'Iberia (Spagna e Portogallo) durante il 1500, seguita dal 1600 (l'ascesa dell'Impero olandese e dell'Inghilterra elisabettiana).

  2. Storia tarda moderna: inizia con il 1700, in particolare, con l'ascesa dell'Illuminismo in Francia, seguita dall'emergere dell'Inghilterra come grande potenza finanziaria e tecnologica, attraverso la rivoluzione industriale, l'età vittoriana, per cui gran parte del colonialismo britannico si espanse durante questa volta sotto la regina Vittoria, così come The Romantic Age, che ha prodotto grandi poeti, come Byron, Wordsworth e Keats. La tarda età moderna ha prodotto anche alcuni degli scrittori più significativi della storia, come Dickens, Marx e Darwin. E, naturalmente, gran parte del XX secolo fa anche parte della tarda età moderna, che si conclude con il crollo/implosione del comunismo globale e del suo epicentro, l'Unione Sovietica nel 1991.

  3. Storia postmoderna: questo è il periodo storico contemporaneo, che inizia subito dopo il crollo dell'Unione Sovietica. Viviamo nel periodo post-moderno dal 1992, vale a dire un'era post-sovietica/post-comunista (e persino post-industriale), che ha contribuito a generare l'era dell'informazione, così come l'era dell'informazione. Globalizzazione. L'era dell'informazione ha e continua a "decostruire" la convenzionalità moderna attraverso le nostre modalità di comunicazione e pensiero e l'era della globalizzazione ha trasformato il movimento di capitali e affari in imprese e industrie mondiali. Sia l'Informazione che la Globalizzazione hanno una relazione simbiotica per cui l'una necessita dell'altra. L'era dell'informazione è intrinsecamente globale e l'era della globalizzazione è rafforzata dall'accesso mondiale all'informazione.


Differenza tra studi rinascimentali e primi moderni

Quando diciamo Rinascimento intendiamo semplicemente la rinascita della conoscenza classica e cerchiamo di avvicinarci a questo periodo dal punto di vista del greco classico. Ma quando diciamo i primi studi moderni cerchiamo di avvicinarci a questo periodo alla luce degli sviluppi avvenuti dopo il Rinascimento. Tuttavia, non cancelliamo l'importanza del periodo classico, ma semplicemente diamo più importanza ai successivi sviluppi della modernità.
Il termine Rinascimento il periodo del XV e XVI secolo è stato dato solo nel XIX secolo. Ma la prima età moderna è molto più recente, associata in particolare alla Scuola degli storici degli Annales dagli anni '40 in Francia e successivamente in Inghilterra.
Sia il Rinascimento che la prima età moderna stanno cambiando cronologicamente, il Rinascimento indica i fenomeni culturali europei, iniziati intorno al XII secolo. Gli studiosi del Rinascimento sono meno preoccupati per la fine del Rinascimento. La loro preoccupazione è come datare il Rinascimento, come collegarlo all'antica cultura ellenica e come isolarlo dal suo recente passato. Mette per una considerazione oggettiva di altra epoca storica. Il Rinascimento si rivolge al passato e si preoccupa dell'origine e delle influenze. Ma la prima età moderna indica obiettivi distinti per gli storici. È arrivata come reazione contro l'elitarismo e la miopia culturale della storia del Rinascimento. Indica un indebolimento dei confini disciplinari. Mette in discussione la struttura particolareggiata dello studio letterario. Rompe il segmento tradizionale degli studi letterari e distrugge gli studi letterari come categoria autonoma dell'attività intellettuale. Passato e presente sono fuori fuoco dei primi studi moderni.
Il passaggio dagli studi rinascimentali ai primi studi moderni mostra le realtà di classe del periodo rinascimentale, quelle realtà che sembrano essere tralasciate quando ci avviciniamo all'età con il termine Rinascimento. Ma quando ci avviciniamo all'età con i primi studi moderni, le realtà di classe prevalenti, anche delle persone di classe inferiore, sono incluse. L'età inizia a includere la cultura delle persone di classe inferiore. Una delle implicazioni di questo cambiamento è non avere solo un approccio letterario a quell'epoca o un approccio disciplinare, ma avere un approccio interdisciplinare.
Secondo Lee S. Marcus, guardare al Rinascimento attraverso la lente chiamata "primo moderno" significa vedere le preoccupazioni del modernismo e del postmodernismo in embrione. Marcus dice che il termine Rinascimento, poiché significa rinascita, suggerisce celebrazione, ottimismo e una sensazione di ottimismo. Quando ci sentiamo ottimisti e quando siamo in vena di festeggiare, parliamo solo di cose buone. Nel Rinascimento, però, c'erano anche cose brutte. L'uccisione di donne in nome delle streghe, l'uccisione di persone che hanno inventato nuove idee scientifiche, non si parla affatto di cose. Ma se studiamo l'età dal punto di vista della prima età moderna, tutte queste cose entrano in discussione. Quindi, lo scrittore sostituisce il Rinascimento con la prima età moderna.
Un'altra differenza è la formazione della parola "Rinascimento". Scriviamo Rinascimento, la prima parola è maiuscola per dare importanza all'alta cultura. Mettiamo in maiuscolo la sua prima lettera perché dà importanza all'alta cultura. Ma le lettere iniziali della prima età moderna non sono maiuscole.
Marcus dice che gli scritti e la cultura del Rinascimento sono giustamente sponsorizzati dalle élite perché le élite controllano la produzione artistica attraverso il mecenatismo. Quindi, gli studiosi del Rinascimento individuano solo le brillanti immagini idealizzate della vita culturale durante il periodo. Ma il primo approccio moderno privilegia i valori della classe inferiore rispetto ai valori dell'élite, o privilegia il margine rispetto al centro.
Un'altra differenza è che quando diciamo rinascita è anche rottura, disgiunzione, ma non parliamo di disgiunzione quando studiamo quel periodo sotto il Rinascimento. Ma se adottiamo l'approccio della prima modernità, tendiamo naturalmente a parlare di disgiunzione.
Allo stesso modo, le scrittrici non sono incluse dagli studiosi del Rinascimento. Ma i primi studiosi moderni comprendono scrittrici e gruppi marginali. Fa rivivere le scrittrici emarginate come Elizabeth Carey, Queen Elizabeth I e Mary Wroth.
C'è stato anche un passaggio dalla cultura alta alla cultura bassa. Per Rinascimento intendiamo la cultura alta o elitaria. I generi relativi alle parti inferiori della società non erano insegnati o inclusi nel canone. Solo il poema lirico, uno dei generi elitari, era considerato buono, ma quando diciamo i primi studi moderni non neghiamo l'esistenza della cultura alta, riconosciamo anche la cultura bassa nel suo significato.
Infine, il Rinascimento rivela la possibilità dell'obiettività mentre il primo moderno sviluppa preoccupazioni di modernismo, postmodernismo e indeterminatezza testuale.


Primo americano (1640-1700)

Il primo periodo americano fu davvero il primo periodo in cui uno stile distinto cominciò ad apparire all'interno di mobili nelle colonie che andava oltre la semplice praticità. Sculture ornamentali, terminali, pannelli rialzati e torniture in legno erano segni distintivi di questo periodo. La maggior parte della falegnameria era della varietà a tenone e mortasa, con pino, ciliegio, betulla, acero, quercia e legni da frutto come il melo che costituivano la maggior parte dei legni duri e teneri utilizzati per questi pezzi.


Differenza tra modernismo e postmodernismo

Ogni persona ha le sue convinzioni e la sua filosofia di vita, e ognuno ha una sua mentalità. Quando incontra altri individui con le sue stesse opinioni, possono creare una scuola di pensiero e condividere una filosofia, un credo, un'opinione e una disciplina comuni. Nel corso della storia dell'umanità, sono esistite diverse scuole di pensiero con il modernismo e il postmodernismo più rilevanti e influenti per le persone di oggi.

Il modernismo è una scuola di pensiero o un movimento che ha avuto luogo tra la fine del XIX secolo e l'inizio del XX secolo. Ha coinvolto un movimento di riforma nell'arte, nella musica, nella letteratura e nelle arti applicate. Si basava sul pensiero razionale, sulla logica e sul processo scientifico. Mirava a creare una visione chiara e razionale del mondo credendo che attraverso la scienza e la ragione l'umanità possa avanzare e crescere. Ha sostenuto la convinzione che c'è molto da imparare dal passato che potrebbe essere utile al presente.

Il modernismo ha sostenuto la convinzione che ci sia uno scopo per la vita e che dovrebbe essere vista obiettivamente. I modernisti avevano una visione ottimistica del mondo e credevano che ci fossero valori ed etica che dovevano essere seguiti. Non erano molto preoccupati per la politica e pensavano di più a cose significative. L'era del modernismo fu un periodo di progresso artistico e letterario. Grandi opere d'arte e di letteratura erano abbondanti così come di musica, architettura, poesia e scienza. Le opere moderniste erano ammirate per la loro semplicità ed eleganza.

Il postmodernismo, d'altra parte, è una scuola di pensiero o un movimento che ha avuto luogo dopo la seconda guerra mondiale, ma ha guadagnato popolarità negli anni '60. Era un'era caotica difficile da comprendere e da capire. Ha sostenuto la convinzione che non esiste una verità universale. Usava un approccio non scientifico alla vita e credeva che tutte le cose fossero irrazionali. I postmodernisti credevano nel caso e nella caducità. Hanno messo in dubbio la razionalità del modernismo, i suoi principi e il suo pensiero. Credevano che non vi fosse alcuna connessione tra il passato e il presente e che gli eventi passati fossero irrilevanti nel presente.

L'era postmoderna è stata caratterizzata dal progresso della tecnologia e dal suo uso nella musica, nell'arte e nella letteratura. In questo periodo si possono trovare pochissime opere originali di artisti e le opere precedenti sono state copiate. Gli artisti postmodernisti traggono ispirazione e base dalle opere originali degli artisti modernisti.

1. Il modernismo è una scuola di pensiero che ha avuto luogo tra la fine del 1800 e l'inizio del 1900, mentre il postmodernismo è una scuola di pensiero che ha avuto luogo dopo la seconda guerra mondiale.
2. Il modernismo sosteneva il pensiero razionale e l'uso della scienza e della ragione per il progresso dell'uomo, mentre il postmodernismo credeva nell'irrazionalità delle cose.
3. L'era modernista è stata caratterizzata dalle opere originali semplici ed eleganti di artisti di talento mentre l'era postmoderna è stata caratterizzata dal progresso della tecnologia e dal suo utilizzo in diversi media.
4. I modernisti credevano nella verità universale mentre i postmoderni no.
5. I postmodernisti erano molto politici mentre i modernisti no.


Le somiglianze

Ci sono caratteristiche simili che si possono trovare anche in entrambi gli stili. È probabile che da questo derivi gran parte della confusione quando si cerca di distinguerli. Entrambi gli stili tendono a favorire spazi semplici e ordinati con linee morbide e pulite e un tocco artistico. Ciò conferisce una sensazione confortevole e rilassante in una stanza molto invitante.

Nessuno dei due stili preferisce disegni ornati o elementi pesanti. Gli spazi contemporanei possono, tuttavia, piegare frequentemente questa regola man mano che le tendenze cambiano. In entrambi gli stili, divani, sedie e pouf hanno le gambe a vista. Ciascuno di essi tende a gravitare verso superfici riflettenti come metalli e vetro esposti. Troverai anche molto legno a vista in entrambi gli stili, dalle travi strutturali ai tavolini in legno grezzo con basi in metallo.


Chiedi a un esperto: qual è la differenza tra arte moderna e postmoderna?

Tutte le tendenze diventano più chiare con il tempo. Guardando l'arte anche a distanza di 15 anni, "puoi vedere i modelli un po' meglio", afferma Melissa Ho, assistente curatrice all'Hirshhorn Museum. “Ci sono tendenze più ampie e profonde che hanno a che fare con il modo in cui viviamo nel mondo e come lo stiamo vivendo.”

Allora, cos'è esattamente l'arte moderna? La domanda, dice, è meno risolvibile che infinitamente discutibile.

Tecnicamente, dice Ho, l'arte moderna è "l'espressione culturale del momento storico della modernità". Ma come disimballare questa affermazione è controverso. Un modo per definire l'arte moderna, o qualsiasi altra cosa, è descrivere ciò che non è. La pittura e la scultura accademica tradizionale hanno dominato i secoli XVII, XVIII e XIX. "Si trattava di una tecnica perfetta e senza soluzione di continuità e di utilizzare quella tecnica perfetta e senza soluzione di continuità per eseguire soggetti molto ben definiti", afferma Ho.C'era una gerarchia di generi, dai dipinti storici alla ritrattistica, alle nature morte e ai paesaggi, e nozioni di bellezza molto rigide. “Parte del trionfo del modernismo è il rovesciamento dei valori accademici,”, afferma.

In qualche modo un contraccolpo all'arte accademica tradizionale, l'arte moderna riguarda l'espressione personale. Anche se storicamente non è stato sempre così, spiega Ho, "ora, sembra quasi naturale che il modo in cui pensi alle opere d'arte sia l'espressione di una visione individuale". Il modernismo abbraccia un'enorme varietà di artisti e generi dell'arte. Ma i valori dietro i pezzi sono più o meno gli stessi. “Con l'arte moderna, c'è questa nuova enfasi posta sul valore di essere originali e di fare qualcosa di innovativo,” dice Ho.

Edouard Manet e gli impressionisti erano considerati moderni, in parte, perché rappresentavano scene di vita moderna. La rivoluzione industriale ha portato frotte di persone nelle città e nuove forme di svago sono nate nella vita urbana. All'interno delle gallerie di Hirshhorn, Ho indica Thomas Hart Benton’s Gente di Chilmark, un dipinto di una massa di uomini e donne aggrovigliati, che ricorda leggermente un classico Michelangelo o il famoso Théodore Géricault’s Zattera della Medusa, tranne per il fatto che si tratta di una scena da spiaggia contemporanea, ispirata alla città del Massachusetts dove Benton trascorreva l'estate. Posti in prima fila, un dipinto di un incontro di boxe di George Bellows, appeso nelle vicinanze, così come tre dipinti di Edward Hopper, uno intitolato Orchestra della prima fila di spettatori in attesa che il sipario venga tirato.

Nell'arte rinascimentale si attribuiva un alto valore all'imitazione della natura. “Poi, una volta che è stato eliminato, l'astrazione può fiorire,” dice Ho. Opere come Benton’s e Hopper’s sono una combinazione di osservazione e invenzione. I cubisti, all'inizio del 1900, hanno iniziato a giocare con lo spazio e la forma in un modo che ha deformato la tradizionale visione pittorica.

Gli storici dell'arte usano spesso la parola “autonomo” per descrivere l'arte moderna. “Il volgare sarebbe ‘arte per l'arte’,’” spiega Ho. “Non deve esistere per nessun tipo di valore di utilità diverso dalla propria ragione esistenziale d'essere.” Quindi, valutare l'arte moderna è una bestia diversa. Piuttosto che chiedere, come si potrebbe fare con un dipinto di storia, sulla narrativa—Chi è il personaggio principale? E qual è l'azione? Valutare un dipinto, diciamo, di Piet Mondrian, diventa più una questione di composizione. “Si tratta della tensione compositiva,”,”, dell'equilibrio formale tra colore, linea e volume da un lato, ma anche solo dell'estrema purezza e rigore di esso.”

Secondo Ho, alcuni dicono che il modernismo raggiunge il suo apice con l'espressionismo astratto in America durante l'era della seconda guerra mondiale. Ogni artista del movimento ha cercato di esprimere il proprio genio e stile individuale, in particolare attraverso il tatto. "Così hai Jackson Pollock con la sua vernice che gocciola e lancia", dice Ho. “Hai Mark Rothko con i suoi campi di colore molto luminosi e appena dipinti.” E, a differenza delle pennellate invisibili nei dipinti accademici pesantemente smaltati, i tratti nei dipinti di Willem de Kooning sono sciolti e talvolta spessi. “Puoi davvero sentire come è stato realizzato,” dice Ho.

Poco dopo la seconda guerra mondiale, tuttavia, le idee che guidavano l'arte ricominciarono a cambiare. Il postmodernismo si allontana dall'attenzione moderna sull'originalità e il lavoro è volutamente impersonale. "Vedi un sacco di lavoro che utilizza mezzi meccanici o quasi meccanici o mezzi dequalificati", dice Ho. Andy Warhol, ad esempio, usa la serigrafia, rimuovendo in sostanza il suo tocco diretto, e sceglie soggetti che giocano con l'idea di produzione di massa. Mentre artisti moderni come Mark Rothko e Barnett Newman hanno fatto scelte cromatiche che avrebbero dovuto connettersi emotivamente con lo spettatore, artisti postmoderni come Robert Rauschenberg introducono la possibilità nel processo. Rauschenburg, dice Ho, era noto per acquistare la vernice in lattine anonime presso il negozio di ferramenta.

“Il postmodernismo è associato alla decostruzione dell'idea, ‘Io sono il genio artistico e tu hai bisogno di me,’ ”, dice Ho. Artisti come Sol LeWitt e Lawrence Weiner, con opere nell'Hirshhorn, evitano ancora di più la paternità. Pezzo di Weiner intitolato “UNA PALLA DI GOMMA GETTATA SUL MARE, Cat. Il numero 146,” per esempio, è esposto al museo in grandi caratteri blu senza grazie. Ma Weiner era aperto alla riproduzione delle sette parole in qualsiasi colore, dimensione o carattere. "Avremmo potuto prendere un pennarello e scriverlo sul muro", dice Ho. In altre parole, Weiner considerava il suo ruolo di artista più incentrato sul concepimento che sulla produzione. Allo stesso modo, alcuni dei disegni di LeWitt della fine degli anni '60 sono fondamentalmente disegni su istruzione. Fornisce istruzioni ma chiunque, in teoria, può eseguirle. “In questa generazione del dopoguerra, c'è questa tendenza, in un certo senso, verso la democratizzazione dell'arte,” dice Ho. “Come il disegno di Sol LeWitt, è questa l'opinione che chiunque può fare arte.”

Etichette come “modern” e “postmodern,” e che cercano di individuare le date di inizio e di fine per ogni periodo, a volte irritano gli storici dell'arte e i curatori. "Ho sentito tutti i tipi di teorie", dice Ho. "Penso che la verità sia che la modernità non è avvenuta in una data particolare. È stata questa trasformazione graduale che è avvenuta nel corso di un paio di centinaia di anni.” Naturalmente, le due volte che, per ragioni pratiche, è necessario fissare delle date sono quando si insegnano corsi di storia dell'arte e si organizzano musei. Nell'esperienza di Ho's, l'arte moderna inizia tipicamente intorno al 1860, mentre il periodo postmoderno mette radici alla fine degli anni '50.

Il termine “contemporaneo” non è legato a un periodo storico, come lo sono il moderno e il postmoderno, ma descrive semplicemente l'arte “del nostro momento.” A questo punto, però, spesso si considerano opere risalenti al 1970 circa. contemporaneo. Il problema inevitabile con questo è che crea un corpo in continua espansione di lavoro contemporaneo di cui sono responsabili professori e curatori. “Devi solo tenere d'occhio come stanno andando queste cose,” consiglia Ho. “Penso che verranno ridefiniti.”


Cos'è il tardo modernismo?

Bentornati a Critical Eye, la rubrica di Alexandra Lange sull'architettura incisiva, attenta, curiosa, umana e a misura di strada per Curbed. In questa edizione, Lange individua la prossima era dell'architettura degna di conservazione, ora che il modernismo (metà del secolo, International Style) è diventato un causa celebrità. Per prima cosa: cosa definisce questo cosiddetto "tardo modernismo", comunque?

Se i non architetti conoscono il Citicorp Center, il punto di riferimento più giovane di New York quando designato a 38 anni, lo sanno per il suo difetto. Poco dopo il suo completamento nel 1978, uno studente chiamò l'ufficio del suo ingegnere, William J. LeMessurier, e chiese delle quattro colonne "super" di 24 piedi quadrati, alte 100 piedi, posizionate insolitamente al centro di ciascuna delle le facciate del grattacielo, che aiutano a sorreggere l'edificio.

Nel progettare l'innovativo sistema strutturale dell'edificio, LeMessurier aveva calcolato correttamente la forza del vento che colpisce ogni faccia dell'edificio direttamente, ma non aveva tenuto conto della tensione aggiuntiva dei venti "quartati" che colpivano gli angoli a sbalzo dell'edificio. Rispondendo alle domande dello studente, si è reso conto di aver commesso un errore, aggravato dalla sostituzione dei giunti strutturali bullonati con quelli saldati, che sono molto più resistenti. Secondo i suoi calcoli, una tempesta abbastanza forte da far crollare l'edificio colpisce la città ogni 55 anni.

Il Centro Citicorp. Norman McGrath

LeMessurier ha allertato Citicorp, che ha assunto Leslie E. Robertson, ingegnere delle Torri Gemelle, per eseguire una correzione ex post, "saldatura di piastre d'acciaio spesse due pollici su ciascuno degli oltre duecento giunti bullonati", un compito che ha richiesto due mesi. Un comunicato stampa diffuso all'epoca mostra un uso magistrale della voce passiva: “Recentemente è stata effettuata una revisione delle specifiche di designazione del Citicorp Center . . . [it] ha indotto gli ingegneri a raccomandare che alcune delle connessioni nel sistema di controventatura del Citicorp Center fossero rafforzate attraverso saldature aggiuntive. . . non c'è pericolo».

Tutto questo sarebbe rimasto nascosto da quel linguaggio blando, se non fosse stato per qualche chiacchiera da festa. "The Fifth-Nine Story Crisis" era il titolo dell'emozionante storia scritta da Joe Morgenstern sul New Yorker del 1995 sulla correzione di un episodio di Invisibile al 99% del 2004 che raccontava anche la storia, con l'importante aggiornamento dell'identificazione della studentessa, una donna, in quanto successo, di nome Diane Hartley.

Ma quelle colonne "super", ora abbastanza forti, dicono gli ingegneri, "da resistere a una tempesta di settecento anni", hanno fatto molto di più che dare agli ingegneri attacchi di cuore.

Sotto i cantilever di 72 piedi di Citicorp giaceva uno dei primi complessi a uso misto di New York, una città all'ombra della torre, con un cortile pubblico terrazzato sommerso, un mercato a tre livelli di 277.000 piedi quadrati sormontato da un (ancora -miss) Conran's, e una chiesa a forma di gemma rivestita di granito, St. Peter's, che assomiglia un po' a una scheggia del blocco rivestito di acciaio satinato di 59 piani.

Interno del Centro Citicorp. Norman McGrath

Il Citicorp Center è stata la prima grande commissione dell'architetto Hugh Stubbins e sarebbe stato il suo unico grattacielo a New York. In alto, l'edificio sembra tagliato con un angolo di 45 gradi, rendendolo immediatamente riconoscibile nello skyline. Quella semplice inclinazione originariamente doveva contenere appartamenti a gradoni - come un resort sulla spiaggia nel cielo - e poi un pannello solare. Alla fine, è solo un angolo, ma basta.

Le colonne muscolose e l'audacia strutturale, l'asta straordinariamente liscia e la geometria un po' rozza fanno di Citicorp un esempio ideale di tardo modernismo, uno stile con un nome noioso di cui sentirete parlare molto, molto di più, ora che il suo gli edifici, come molti di noi, si avvicinano all'età di 40 anni. (A New York City, gli edifici devono avere più di 30 anni per essere considerati per lo status di punto di riferimento il Registro Nazionale dei luoghi storici generalmente considerati siti "storici" per avere più di 50 anni.)

Mio figlio di nove anni sta imparando il tema di cinque paragrafi quest'anno e l'insegnante insiste che ogni paragrafo abbia delle prove. Ecco la mia prova per l'affermazione del tardo modernismo sulla nostra attenzione: la designazione punto di riferimento di Citicorp, la piramide di vetro di IM Pei al Louvre, che ha appena ricevuto il premio per i 25 anni dell'AIA, il poco noto edificio del 1971, simile a un castello, di Gio Ponti per il Denver Art Museum, in fase di restauro per espandere lo spazio della galleria e dare ai visitatori l'accesso all'ultimo piano e alle sue splendide viste, poiché Ponti ha sempre inteso l'East Building di Pei del 1978 per la National Gallery of Art, rinnovato e con un aspetto migliore che mai.

Questi edifici esibiscono forme robuste e audaci, avvolte in materiali singolari, che ci infilano in faccia i loro spigoli vivi. Più raffinato del Brutalismo, meno pittoresco del Postmodernismo, il Tardo Modernismo è quello che è successo negli anni '70 e nei primi anni '80 e, 40 anni dopo, è storia.

In senso orario da in alto a sinistra: Piramide di vetro al Louvre Pittsburgh Plate Glass Place Biblioteca pubblica di Seattle 100 Eleventh Avenue East Building per la National Gallery of Art North Building per il Denver Art Museum W.R. Grace. Edward Berthelot/Getty Images Paul Frankenstein/Flickr David/Flickr Kristina D.C. Hoeppner/Flickr Visualizza immagini/UIG tramite Getty Images Jesse Varner/Flickr Peter Miller/Flickr

Il critico di architettura britannico Charles Jencks ha celebrato il tardo modernismo in un libro del 1980 intitolato, appropriatamente, Architettura tardo moderna, sottolineando il pragmatismo degli architetti dell'epoca (disponibilità a lavorare su progetti aziendali su larga scala), il loro impegno per l'ordine (griglie), le loro sezioni interne drammatiche (balcone su balcone). I designer dell'epoca erano impegnati nel “rivestire questo spazio con membrane piatte di materiale omogeneo che fosse vetro, nylon o mattone: la tendenza per le superfici lucide che fossero marroni, blu o, più opportunamente, argento”.

Quel blu è significativo, perché mentre mi appoggio molto agli esempi di New York, Los Angeles ha diritto di rivendicare alcuni dei migliori esempi del tardo modernismo: Blue Whale del 1975 di Cesar Pelli al Pacific Design Center, a cui ha aggiunto i fratelli verdi e rossi nei successivi quattro decenni. (Gli edifici blu e verde sono stati entrambi nominati Risorse Culturali della Città di West Hollywood nel 2003.)

Pelli e Anthony Lumsden erano colleghi nell'ufficio di Eero Saarinen, dove lavoravano agli ur-Late Modern Bell Labs, alias "il più grande specchio di sempre". Lumsden non era stato in grado di convincere Kevin Roche a utilizzare un montante inverso per quel progetto, il che avrebbe reso la sua superficie liscia come la pelle. Lumsden ha ricordato l'idea quando ha lavorato con Pelli al DMJM, a Los Angeles, riferendosi ai loro edifici successivi come "l'estetica della membrana".

I sostenitori della West Coast del Late Modern si sono brevemente raggruppati per una mostra dell'UCLA del 1976 in cui i Silvers, la lucentezza, il vetro riflettente e il rivestimento in metallo sono tutti attori dominanti nella sua esecuzione, in contrasto con gli austeri piani di Corbusian dei The Whites e le tegole storiciste dei The Grays. Per il marrone, c'è la Fondazione Ford, proprio sulla cuspide, e i lunghi balconi grigio-marroni di Edward Bassett per la sede Weyerhaeuser di SOM del 1971, pensati per essere oscurati da rampicanti rovesciati.

Il tardo modernismo è uno stile senza teoria, praticato da architetti che stavano cercando di costruirsi una via d'uscita dai rendimenti decrescenti delle copie miesiane. Laddove una torre di Mies (e le sue numerose imitazioni) sembra risucchiare nelle sue guance, la torre del tardo moderno si riempie da un bordo all'altro, premendo visivamente i suoi specchi rimanendo all'interno delle linee. Queste linee includono triangoli, smussi, gradini e curve occasionali, ma raramente simmetria bilaterale.

Il tardo modernismo sfuma nel postmodernismo con progetti come il Pittsburgh Plate Glass Place di Philip Johnson e John Burgee, che fa direttamente riferimento all'architettura gotica. La pressione sulla pelle crea tensione in un angolo tagliato, o uno spazio stretto come quello tra le due torri trapezoidali al Pennzoil Place di Johnson e Burgee del 1975 a Houston.

Uno dei problemi del tardo modernismo, dal punto di vista della conservazione, potrebbe essere la sua clientela su larga scala e spesso aziendale. Come ha sottolineato Kazys Varnelis, “il modernismo non era più rivoluzionario per i tardi moderni. Invece, hanno lavorato per dare forma fisica alle grandi imprese e al grande governo. Poiché questi sarebbero stati oggetto di feroci critiche negli anni '60, i tardi moderni sarebbero stati incatramati insieme a loro". A 99 Percent Invisible, Kate Wagner ha recentemente richiamato l'attenzione su una critica latente del Late Modern incorporata nei film popolari: grandi edifici illeggibili senza ingressi chiari spesso fungono da quartier generale per Evil, Inc.

È utile avere un argomento emotivo per accompagnare quello storico quando si combatte per la vita di un edificio. Nei ricordi d'infanzia di mio marito di Manhattan, due edifici in picchiata, W.R. Grace sulla West 42nd Street (Gordon Bunshaft for SOM, 1974) e il Solow Building sulla 57a (stesso architetto, stesso anno), spiccano come anomalie drammatiche.

Ma qualcuno vuole abbracciare o proporre nell'atrio pubblico dell'IBM Building? Un raro esempio minuscolo è la stazione di commutazione AT&T del 1978 di Paul Kennon a Columbus, nell'Indiana, una scatola a specchio delle dimensioni delle strade circostanti del XIX secolo, vestita con "canne d'organo" arcobaleno che nascondono i sistemi meccanici.

Uno dei miei argomenti per la conservazione dell'Ambassador Grill e della hall dell'UN Plaza Hotel - ancora in aria con la Landmarks Preservation Commission di New York City - era che erano spazi distintivi, di destinazione in cui sono stati creati i ricordi. Non ci sono diplomatici che potrebbero parlare di accordi internazionali negoziati sotto quel cielo di specchi?

Chiesa di San Pietro di Lella Vignelli. Norman McGrath

Allo stesso modo, è un peccato che gli interni religiosi siano esenti dalla legge Landmarks, perché il design caldo e di ispirazione scandinava di Massimo e Lella Vignelli per la chiesa di San Pietro, un diamante incastonato alla base del cantilever Citicorp, sembra più bello che mai, giù al ricamo del bargello Op Art sui cuscini di seduta. Molti matrimoni modernisti hanno scelto questo sfondo.

Eppure, alcuni degli architetti più celebri di oggi dovrebbero essere i principali sostenitori dello stile, perché non avremmo alcuni degli edifici più attesi della città del 2016, 2017 e oltre senza il tardo modernismo.

Basta guardare lo skyline di New York: il parabaloide iperbolico di BIG sulla West 57th Street non è l'unica piramide di vetro che corre attraverso il paesaggio: c'è la sede del College Life Insurance di Roche Dinkeloo a Indianapolis, completata nel 1972. Il 56 Leonard di Herzog e De Meuron, dove la facciata continua sembra spinto al limite per contenere dolcemente la pressione di quelle scatole e balconi che spuntano, è figlio di precedenti smaterializzazioni del muto rettangolo di vetro che includono la Trump Tower del 1983 di Der Scutt. (Che è, ritmo l'orribile lobby in marmo, un edificio abbastanza buono. Prova a guardarlo in bianco e nero qualche volta quando siamo tutti più calmi e l'accesso pubblico è completamente ripristinato.)

Asimmetria e vetrosità, combinate con l'audacia strutturale e le piante a cui è stato chiesto di esibirsi alla scala della città, come nella proposta di Spiral di BIG per Hudson Yards e (meno probabile) 2 World Trade Center, sono completamente alla moda. Guardando indietro, anche i lustrini di Jean Nouvel sulla 100 Eleventh Avenue nel quartiere Chelsea di Manhattan e gli angoli di OMA alla Seattle Public Library, sono figli del tardo modernismo.

Lo skyline della città è una lezione di storia dell'architettura, e un dito troppo vivace sul pulsante cancella ruba il presente di significato e il passato di presenza. La 432 Park Avenue di Rafael Vinoly mi sembra ancora selvaggiamente fuori posto, ma so che col tempo mi sembrerà familiare.

Scansionare lo skyline di Manhattan dalla Brooklyn-Queens Expressway è un buon modo per scegliere le icone degli anonimi, e il Citicorp Building presenta il carattere in un modo che One Bryant Park non farà mai. Il tardo modernismo, nato dal capitale, parla del modo in cui costruiamo ora, rispecchiando letteralmente l'ambizione dei creatori di forme di oggi.


Primo moderno vs tardo moderno vs post moderno? - Storia

1. Radici del Modernismo

Fino a poco tempo fa, la parola "moderna" era usata per riferirsi genericamente al contemporaneo tutta l'arte è moderna nel momento in cui viene realizzata. Nel suo Il Libro dell'Arte (tradotto come &lsquoThe Craftsman&rsquos Handbook&rsquo) scritto all'inizio del XV secolo, lo scrittore e pittore italiano Cennino Cennini spiega che Giotto fece pittura &lsquomoderna [vedi BIBLIOGRAFIA ] . Giorgio Vasari scrivendo nel XVI secolo, si riferisce all'arte del proprio periodo come &lsquomodern.&rsquo [vedi BIBLIOGRAFIA ]

Nella storia dell'arte, tuttavia, il termine "moderno" è usato per riferirsi a un periodo che va approssimativamente dagli anni 1860 agli anni '70 e descrive lo stile e l'ideologia dell'arte prodotta durante quell'epoca. È questo uso più specifico del moderno che si intende quando si parla di arte moderna. Il termine "modernismo" è anche usato per riferirsi all'arte del periodo moderno. Più specificamente, "modernismo" può essere pensato come un riferimento alla filosofia dell'arte moderna.

Nel titolo del suo libro del 1984 [vedi BIBLIOGRAFIA ] , Suzi Gablik chiede &lsquoHas Modernism Failed?&rsquo Cosa intende? Il modernismo ha &lsquofallito&rsquo semplicemente nel senso di essere giunto alla fine? O intende dire che il modernismo non è riuscito a realizzare qualcosa? Il presupposto di quest'ultimo è che il modernismo avesse obiettivi, che non è riuscito a raggiungere. Se sì, quali erano questi obiettivi?

Per ragioni che risulteranno chiare più avanti in questo saggio, le discussioni sul modernismo nell'arte sono state espresse in gran parte in termini formali e stilistici. Gli storici dell'arte tendono a parlare della pittura moderna, ad esempio, come interessata principalmente alle qualità del colore, della forma e della linea applicate in modo sistematico o espressivo, e caratterizzata nel tempo da una crescente preoccupazione per la piattezza e da un calo di interesse per la materia. È generalmente accettato che il modernismo nell'arte abbia avuto origine negli anni 1860 e che il pittore francese & Eacutedouard Manet sia il primo pittore modernista. Dipinti come il suo Le Déjeuner sur l'herbe (&lsquoPranzo sull'erba&rsquo) e Olimpia sembrano aver inaugurato l'era del modernismo.


Édouard Manet, Le Déjeuner sur l'herbe
1863, olio su tela (Musée d'Orsay, Parigi)

Édouard Manet, Olimpia
1863, olio su tela (Musée d'Orsay, Parigi)

Ma la domanda può essere posta: perché Manet ha dipinto? Le Déjeuner sur l'herbe e Olimpia? La risposta standard è: perché era interessato a esplorare nuovi soggetti, nuovi valori pittorici e nuove relazioni spaziali.

Ma c'è un'altra domanda più interessante oltre a questa: Come mai Manet stava esplorando nuovi soggetti, nuovi valori pittorici e relazioni spaziali? Ha prodotto un quadro modernista, sì, ma perché ha prodotto un'opera del genere?

quando Le Déjeuner sur l'herbe è stato esposto al Salon des Refusés nel 1863, molte persone furono scandalizzate non solo dal soggetto, che mostra due uomini vestiti con abiti contemporanei seduti casualmente sull'erba del bosco con una donna nuda, ma anche per il modo non convenzionale in cui era dipinto. Due anni dopo il pubblico fu ancora più scioccato dal suo dipinto di Olimpia che mostrava una donna nuda, ovviamente a demi-mondaine, guardando moralmente imperturbabile allo spettatore, e dipinto in modo rapido e ampio contrariamente allo stile accademico accettato. Perché Manet dipingeva quadri che sapeva avrebbero turbato le persone?

È nel cercare di rispondere a domande come queste che ci costringe ad adottare una prospettiva molto più ampia sulla questione del modernismo. È all'interno di questo contesto più ampio che possiamo scoprire le basi della filosofia del modernismo e identificare i suoi scopi e obiettivi. Rivelerà anche un'altra dimensione della percezione dell'arte e dell'identità dell'artista nel mondo moderno.

Le radici del modernismo sono molto più profonde nella storia rispetto alla metà del XIX secolo. Per gli storici il periodo moderno inizia in realtà nel XVI secolo, dando inizio a quello che viene chiamato il periodo moderno, che si estende fino al XVIII secolo. Le basi intellettuali del modernismo emergono durante il periodo rinascimentale quando, attraverso lo studio dell'arte, della poesia, della filosofia e della scienza dell'antica Grecia e di Roma, gli umanisti hanno ripreso l'idea che l'uomo, piuttosto che Dio, è la misura di tutte le cose, e promosse attraverso l'educazione idee di cittadinanza e coscienza civica. Il periodo ha anche dato origine a visioni &lsquoutopiche di una società più perfetta, a cominciare da Sir Thomas More Utopia, scritto nel 1516, in cui è descritta una comunità fittizia dell'isola con costumi sociali, politici e legali apparentemente perfetti.

In retrospettiva, possiamo riconoscere nell'umanesimo rinascimentale un'espressione di quella fiducia modernista nel potenziale degli esseri umani di plasmare i propri destini individuali e il futuro del mondo. È presente anche la convinzione che gli esseri umani possano imparare a comprendere la natura e le forze naturali e persino a cogliere la natura dell'universo.

Il pensiero modernista emerso nel Rinascimento iniziò a prendere forma come modello di pensiero più ampio nel XVIII secolo. Si può citare in primo luogo la cosiddetta &lsquo disputa tra antichi e moderni, una disputa letteraria e artistica che dominò la vita intellettuale europea alla fine del XVII secolo e all'inizio del XVIII secolo. Il punto cruciale era la questione se i Moderni (cioè scrittori e artisti contemporanei) fossero ora moralmente e artisticamente superiori agli Antichi (cioè scrittori e artisti dell'antica Grecia e Roma). Introdotta per la prima volta in Francia nel 1687 da Charles Perrault, che sosteneva i Moderni, la discussione fu ripresa in Inghilterra dove fu satira come La battaglia dei libri di Jonathan Swift.

È stato anche satirizzato da William Hogarth in una stampa chiamata La battaglia delle immagini, che mostra dipinti per lo più di maestri rinascimentali e barocchi che attaccano le opere di Hogarth di soggetto equivalente ma più contemporaneo: un dipinto antico di un Maria Maddalena penitente, per esempio, attacca la scena tre della serie di Hogarth Il progresso della meretrice, mentre un antico Festa degli Dei attacca la scena tre di Hogarth&rsquos I progressi del Rake. In un caso, l'antico dipinto romano del I secolo a.C. noto oggi come il Matrimonio Aldobrandini viene mostrato mentre taglia la tela della seconda scena dell'Hogarth&rsquos Matrimonio à-la-Mode serie.


William Hogarth, La battaglia delle immagini, incisione e acquaforte, 1743

Sebbene trattato in modo umoristico da Swift e Hogarth, il "Litigio tra antichi e moderni" è stato guidato da preoccupazioni più profonde che opponevano l'Autorità istituzionalizzata, la cui pretesa al potere era sostenuta da tradizioni consolidate, consuetudini, leggi e lignaggio, contro individui più progressisti che si irritavano sotto il restrizioni che l'Autorità ha imposto alla loro vita e al funzionamento della società. Il conflitto introduce un'importante dicotomia che rimarrà fondamentale per la questione modernista: la divisione tra le forze conservatrici, che tendevano a sostenere la tesi degli Antichi, e le forze più progressiste che si schieravano con i Moderni.

Nel XVIII secolo, l'Illuminismo vide la maturazione intellettuale della credenza umanistica nella ragione come il principio guida principale nelle vicende umane. Attraverso la ragione la mente ha raggiunto l'illuminazione e per la mente illuminata si è aperto un mondo completamente nuovo ed eccitante.

L'Illuminismo fu un movimento intellettuale per il quale lo stimolo più immediato fu la cosiddetta Rivoluzione Scientifica dei secoli XVI e XVII quando uomini come Johannes Kepler, Galileo Galilei e Isaac Newton, attraverso l'applicazione della ragione allo studio della natura il mondo ei cieli avevano fatto scoperte scientifiche spettacolari in cui sono state rivelate varie verità scientifiche.

Il più delle volte, queste verità ritrovate si sono scontrate con le credenze convenzionali, specialmente quelle sostenute dalla Chiesa. Ad esempio, contrariamente a quanto la Chiesa aveva sostenuto per secoli, la &lsquotruta&rsquo era che la Terra girasse intorno al sole. L'idea che "la verità" potesse essere scoperta attraverso l'applicazione della ragione basata sullo studio era tremendamente eccitante.

Il pensatore di larghe vedute del XVIII secolo credeva che praticamente tutto potesse essere sottoposto alla ragione: tradizione, costumi, costumi, persino l'arte. Ma, più di questo, si sentiva che la "verità" così rivelata poteva essere applicata nella sfera politica e sociale per "correggere" i problemi e "migliorare" la condizione politica e sociale dell'umanità. Questo tipo di pensiero diede rapidamente origine all'eccitante possibilità di creare una società nuova e migliore.

La "verità" scoperta attraverso la ragione avrebbe liberato le persone dalle catene di istituzioni corrotte come la Chiesa e la monarchia il cui pensiero tradizionale fuorviato e le vecchie idee avevano tenuto le persone soggiogate nell'ignoranza e nella superstizione. Il concetto di libertà divenne centrale nella visione di una nuova società. Attraverso la verità e la libertà, il mondo sarebbe stato trasformato in un posto migliore.

I pensatori progressisti del XVIII secolo credevano che il destino dell'umanità sarebbe notevolmente migliorato attraverso il processo di illuminazione, dall'essere mostrata la verità. Con la ragione e la verità in mano, l'individuo non sarebbe più alla mercé delle autorità religiose e laiche, che avevano costruito le proprie verità e le avevano manipolate per i propri fini egoistici. Alla radice di questo pensiero c'è la fede nella perfettibilità dell'umanità.

Il pensiero illuminista dipinse la razza umana come tesa verso l'auto-realizzazione morale e intellettuale universale. Si credeva che la ragione consentisse l'accesso alla verità e la conoscenza della verità avrebbe migliorato l'umanità. La visione che iniziò a prendere forma nel XVIII secolo era quella di un mondo nuovo, un mondo migliore. Nel 1762, Jean-Jacques Rousseau, nel suo Indagine sulla natura del contratto sociale, proponeva che un nuovo sistema sociale si fondasse su "un'eguaglianza morale e legittima, e che gli uomini, che possono essere diseguali in forza o intelligenza, diventino tutti uguali per convenzione e diritto legale". Unendosi nella società civile attraverso il contratto sociale, gli individui potevano sia preservare se stessi che raggiungere la libertà. Questi principi erano fondamentali per la nozione di modernismo.

Tali dichiarazioni a sostegno della libertà e dell'uguaglianza non sono state trovate solo nei libri. Nel XVIII secolo furono fatti due grandi tentativi per mettere in pratica queste idee. Tali idee, ovviamente, non erano popolari tra gli elementi conservatori e tradizionali, e la loro resistenza doveva essere superata in entrambi i casi attraverso una sanguinosa rivoluzione.

Il primo grande esperimento per creare una società nuova e migliore fu intrapreso in quello che era letteralmente il nuovo mondo e i nuovi ideali furono espressi per la prima volta nel Dichiarazione di indipendenza degli Stati Uniti appena fondati nel 1776. È il pensiero illuminista che informa frasi come "riteniamo che queste verità siano auto-evidenti" e che sostiene l'idea "che tutti gli uomini sono creati uguali". Il carattere mondano del documento si riflette nella sua dichiarata preoccupazione per il diritto dell'uomo di perseguire la felicità nella sua vita, che segnala un passaggio da una concentrazione cristiana incentrata su Dio sull'aldilà a una focalizzata sull'individuo e sulla qualità della vita di una persona. Fondamentale è anche la nozione di libertà la libertà è stata dichiarata uno dei diritti inalienabili dell'uomo.

Nel 1789, un'altra sanguinosa rivoluzione intrapresa in Francia tentò anche di creare una nuova società. Il suo scopo era quello di soppiantare una struttura governativa oppressiva incentrata su una monarchia assoluta, un'aristocrazia con privilegi feudali e un potente clero cattolico, con i nuovi principi illuministi di cittadinanza, nazionalismo e diritti inalienabili che i rivoluzionari si sono radunati al grido di uguaglianza, fraternità, e libertà.

La Rivoluzione francese, tuttavia, non è riuscita a creare una società radicalmente nuova in Francia. Seguirono rapidamente diversi cambiamenti di regime che culminarono nella dittatura militare di Napoleone, nell'instaurazione dell'Impero napoleonico e infine nella restaurazione della monarchia nel 1814. L'attività rivoluzionaria continuò, tuttavia, nel 1830 e di nuovo nel 1848. Si può qui menzionare un terzo grande tentativo di creare una nuova società lungo linee fondamentalmente illuministe che ebbe luogo all'inizio del XX secolo. Fallì anche la rivoluzione russa, iniziata nel 1915, forse la più idealistica e utopica di tutte.

È negli ideali dell'Illuminismo che vanno ricercate le radici del Modernismo e il nuovo ruolo dell'arte e dell'artista. In poche parole, l'obiettivo generale del Modernismo, dell'arte moderna, è stata la creazione di una società migliore.

Quali erano i mezzi attraverso i quali questo obiettivo doveva essere raggiunto? Se il desiderio del XVIII secolo era quello di produrre una società migliore, come si sarebbe potuto realizzare questo? Come si fa a perfezionare l'umanità e creare un mondo migliore?

Come abbiamo visto, era la credenza del 18° secolo che solo la mente illuminata può trovare la verità sia l'illuminazione che la verità sono state scoperte attraverso l'applicazione della ragione alla conoscenza, un processo che ha anche creato nuova conoscenza. L'individuo ha acquisito conoscenza e nello stesso tempo i mezzi per scoprire la verità in essa attraverso un'educazione e un'istruzione adeguate.

Purificata dalle corruzioni dell'ideologia religiosa e politica dalla ragione aperta, l'educazione ci porta la verità, o ci mostra come raggiungere la verità. L'istruzione ci illumina e ci rende persone migliori. Persone istruite e illuminate formeranno le fondamenta della nuova società, una società che creeranno con i propri sforzi.

Fino a poco tempo, questo concetto del ruolo dell'educazione è rimasto fondamentale per il pensiero modernista occidentale. I pensatori illuminati, e qui si potrebbe citare ad esempio Thomas Jefferson, hanno costantemente perseguito la conoscenza, setacciando la verità sottoponendo tutto ciò che hanno appreso ad analisi ragionate. Jefferson, ovviamente, non solo coltivò consapevolmente la propria illuminazione, ma promosse attivamente anche l'istruzione per gli altri, fondando a Charlottesville un "villaggio accademico" che in seguito divenne l'Università della Virginia. Credeva che la ricerca della verità dovesse essere condotta senza pregiudizi e, memore del sospetto illuminista della Chiesa, deliberatamente non includeva una cappella del campus nei suoi piani. La Chiesa e le sue influenze ristrette, secondo lui, dovrebbero essere tenute separate non solo dallo Stato, ma anche dall'educazione.

Jefferson, come molti altri pensatori illuministi, vedeva un ruolo chiaro per l'arte e l'architettura. L'arte e l'architettura potrebbero servire in questo processo di educazione all'illuminazione fornendo esempi di quelle qualità e virtù che si riteneva dovessero guidare la mente illuminata.

Nella seconda metà del XVIII secolo, il modello degli ideali della nuova società era il mondo dell'antica Roma e della Grecia. L'Atene di Pericle e la Roma del periodo repubblicano offrivano ottimi esempi di principi democratici emergenti nel governo, e di eroismo e azione virtuosa, abnegazione e dedizione civica nel comportamento dei loro cittadini.

Si credeva, infatti, certamente secondo gli "antichi" nella Distorsione degli Antichi e dei Moderni menzionata in precedenza, che il mondo antico avesse raggiunto una sorta di perfezione, un ideale che si avvicinava alla comprensione illuministica della verità. Lo storico dell'arte tedesco Johann Winckelmann, scrivendo nel XVIII secolo, era convinto che l'arte dell'antica Grecia fosse la più perfetta e indirizzava gli artisti contemporanei verso esempi come il Apollo Belvedere.


Apollo Belvedere
Copia romana in marmo da un originale in bronzo di c. 330 a.C. (Musei Vaticani, Roma)

È in queste circostanze che Jacques-Louis David è venuto a dipingere la pittura storica classicizzante e didascalica Giuramento degli Orazi esposto al Salon nel 1785. David predilige la tradizione classica e accademica sia in termini di stile che di soggetto. Il suo dipinto rappresenta un momento emozionante nella storia eroica di coraggio e sacrificio di sé patriottico nella Roma pre-repubblicana. Le figure maschili statuarie saldamente modellate a sinistra mettono in scena un dramma virile attraverso il quale vengono mostrate le loro nobili virtù. L'energia e la tensione fisica delle loro azioni si contrappone alle forme curvilinee e crollanti delle donne di destra che si mostrano sopraffatte dall'emozione e dal dolore, mostrando la debolezza della natura femminile. Questa era un'opera grandiosa ed edificante che trattava un argomento onorevole e moralizzante.


Jacques-Louis David, Giuramento degli Orazi
1785, olio su tela (Musée du Louvre, Parigi)

    considerate le arti a tutti gli effetti con le quali avrebbero dovuto contribuire a diffondere il progresso dello spirito umano, a propagare e trasmettere ai posteri l'esempio lampante degli sforzi sublimi di un popolo immenso, guidato dalla ragione e dalla filosofia, restituendo sulla terra il regno della libertà , uguaglianza e diritto.

Afferma categoricamente che &lsquote le arti dovrebbero contribuire con forza all'istruzione pubblica.&rsquo

Per quanto riguarda la lite tra Antichi e Moderni, David può essere associato ai sostenitori degli Antichi. Ha immaginato una nuova società basata su ideali conservatori. Al contrario, c'erano altri artisti, possiamo chiamarli Moderni, la cui visione di un nuovo ordine mondiale era più progressista.

I Moderni immaginavano un mondo concepito di nuovo, non uno che si limitasse a imitare modelli antichi. Il problema per i Moderni, tuttavia, era che il loro nuovo mondo era qualcosa di sconosciuto. La natura di &lsquotruth&rsquo era problematica fin dall'inizio, e il loro dilemma sulla natura degli umani che possedevano non solo una mente razionale aperta alla ragione, ma anche una vita emotiva che doveva essere presa in considerazione.

Si sentiva anche che la ragione soffocava l'immaginazione, e senza l'immaginazione nessun progresso sarebbe stato fatto. La sola ragione era disumana, ma l'immaginazione senza ragione &lsquoproduce mostri&lsquo (vedi Francisco de Goya&lsquos Il sonno della ragione produce mostri). Si era convenuto, tuttavia, che la libertà fosse centrale e dovesse essere perseguita attraverso l'esercizio stesso della libertà nel mondo contemporaneo.


Francisco de Goya, Il sonno della ragione produce mostri
Acquaforte e acquatinta
(Caprichos n. 43: El sueño de la razón produce mostruos), 1796-1797

Dopo la Rivoluzione del 1789, gli Antichi vennero identificati con il vecchio ordine, il ancien régime. Erano di casta come politicamente conservatori e associati a un tipo di arte accademica chiamata Neoclassicismo.

Al contrario, i Moderni erano visti come politicamente progressisti in un senso rivoluzionario di sinistra e associati al movimento antiaccademico chiamato Romanticismo.La natura di questa divisione si vede meglio nella rivalità tra l'artista classicista Jean-Auguste-Dominique Ingres e il pittore romantico Eugégravene Delacroix.

Nella mostra al Salon del 1824, Ingres espose il suo Voto di Luigi XIII e Delacroix il suo Massacro di Scios. Nella sua recensione della mostra in Journal des débats, il critico Étienne-Jean Delécluze ha descritto il lavoro di Ingres come &lsquole bello&rsquo (il bello) perché sia ​​nello stile che nell'argomento ha seguito la teoria accademica classica e ha promosso i valori di destra e conservatori del ancien régime. Al contrario, il dipinto di Delacroix è stato etichettato &lsquole posato&rsquo (il brutto) per il modo in cui era dipinto, con pennellate sciolte e figure non idealizzate, e perché il suo oggetto, il massacro di migliaia di abitanti greci sull'isola di Chios da parte delle truppe turche nel 1822, non solo mancava di esempi di valore e virtù, ma ha anche espresso una critica più liberale dell'evento e uno sdegno morale per il suo verificarsi nel mondo contemporaneo.


J-A-D Ingres, Voto di Luigi XIII
1824, olio su tela (Musée du Louvre, Parigi)

Eugène Delacroix, Massacro a Chios
1824, olio su tela (Musée du Louvre, Parigi)

Per i conservatori, Ingres rappresentava l'ordine, i valori tradizionali e i bei vecchi tempi del ancien régime. I progressisti politici vedevano Delacroix come il rappresentante della vita contemporanea o moderna. Era associato alla rivoluzione politica e alle nuove visioni intellettuali progressiste che i suoi sostenitori affermavano di aver stabilito l'idea della libertà nell'arte.

Delacroix è stato il primo grande artista modernista progressista in Francia. I suoi dipinti rifiutarono deliberatamente l'ideale accademico del bello e invece, nell'ottica dei conservatori critici del suo lavoro, istituì il "culto della bruttezza". Altri artisti sono stati visti adottare questa stessa posizione, in particolare Gustave Courbet e & Eacutedouard Manet, ognuno dei quali ha deliberatamente rifiutato il modello accademico del bello. Le loro idee e il loro approccio all'arte erano considerati così sovversivi da essere accusati di aver tentato di minare non solo l'Accademia ma anche lo Stato.

La minaccia del modernismo progressista fu tale che lo Stato, a partire dall'Esposizione Universale di Parigi del 1855, intraprese un programma il cui effetto fu di neutralizzare e depoliticizzare le opere d'arte. Il piano per l'Esposizione Universale era di includere, in una mostra retrospettiva, esempi di vari stili dell'arte francese, compresi quelli di Ingres e Delacroix, in un modo che mettesse in risalto l'eclettismo ma che allo stesso tempo avesse anche l'effetto di trasformare i dipinti in non -minacciose &lsquoopere d'arte&rsquo. Con il supporto delle forze conservatrici e la conformità dei critici formalisti e degli storici dell'arte, il commento politico e sociale essenziale per l'arte modernista progressista è stato effettivamente rimosso lasciando solo la pittura sulla tela, che è stata discussa semplicemente in termini di qualità formali.

    Non ci sono più discussioni violente, opinioni accese sull'arte, e in Delacroix il colorista non riconosce più il rivoluzionario fiammeggiante che una Scuola immatura opponeva a Ingres. Ogni artista oggi occupa il suo posto legittimo. L'Esposizione del 1855 ha fatto bene ad elevare Delacroix le sue opere, giudicate in tanti modi diversi, sono state ora riviste, studiate, ammirate, come tutte le opere segnate dal genio. [Traduzione da Patricia Mainardi: vedi BIBLIOGRAFIA ]

Così, Delacroix il "rivoluzionario fiammeggiante" fu trasformato in Delacroix il "colorista". Sebbene alcuni artisti progressisti, come Gustave Courbet, forse intuendo come l'inclusione nella mostra potesse compromettere il loro lavoro, rifiutarono di partecipare, l'Esposizione Universale iniziò effettivamente un modo per contenere il impulsi del modernismo progressista e neutralizzare la minaccia che rappresentava per l'ethos conservatore prevalente della società.

Fino a poco tempo, questo è rimasto un approccio prevalente al modernismo. Le dichiarazioni socialiste fatte con tanta forza da Gustave Courbet nella sua pittura Gli Spaccapietre, per esempio, e l'acuto commento politico di Édouard Manet nel suo L'esecuzione dell'imperatore Massimiliano, 1867, ad esempio, sono stati generalmente soppressi e sostituiti da discussioni sulle qualità formali di ciascuna opera.


Gustave Courbet
Gli Spaccapietre
1849-50, olio su tela (distrutto)

Édouard Manet
Esecuzione dell'imperatore Massimiliano
1867, olio su tela (Kunsthalle, Mannheim)

Ma sebbene queste discussioni possano aver deliberatamente represso il suo carattere rivoluzionario e conflittuale, lo stesso modernismo progressista, come ideologia e movimento politico, è rimasto vitale e attivo.


I pionieri della danza postmoderna, 60 anni dopo

Il movimento ha capovolto tutte le nozioni di ciò che potrebbe essere la forma. Oggi, sta ancora modellando il modo in cui vediamo il mondo che ci circonda.

UNA mattina di METÀ DICEMBRE nel suo studio di casa, arroccato su una collina boscosa vicino a Mount Tamalpais nella contea di Marin, in California, l'artista di danza di 98 anni Anna Halprin stava conducendo una lezione di movimento. "Pensa allo spazio positivo e negativo", ha detto, osservando da una sedia da regista mentre i suoi 12 studenti - un insegnante di scuola materna in pensione, un importatore di biancheria fine - hanno assunto una serie di posizioni contemporaneamente ordinarie e non. Una donna cominciò a strisciare tra le gambe divaricate di un'altra, come se fosse un bambino durante la ricreazione, mentre una terza comunicava con il muro, allargando le membra contro la sua superficie color ruggine. Riscaldata, la classe si è poi diretta verso l'adiacente ponte di sequoia di 1.800 piedi quadrati che il defunto marito di Halprin, l'architetto paesaggista Lawrence Halprin, ha costruito nel 1952. Fin dalla sua costruzione, gli eredi artistici di Halprin, tra cui Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown e Meredith Monk, hanno visitato il mazzo una volta o l'altra per esercitarsi e muoversi con lei. Stimato insegnante e performer, Halprin è nota per il suo uso di spartiti o improvvisazioni basate su compiti, nonché per creare danze ispirate alla natura. Una volta fuori, una coppia di studenti ha ispezionato alcuni rami sopra la testa e poi ha offerto impressioni a corpo intero di foglie che frusciavano nel vento.

È difficile vedere l'inizio delle cose, e questo è particolarmente vero per i movimenti artistici, che tendono a sanguinare insieme ai loro bordi. Eppure il mazzo di Halprin è considerato uno dei tanti luoghi di nascita di quella che sarebbe stata chiamata danza postmoderna - una scuola sperimentale che poneva domande formali su cosa potesse essere la danza - che altrimenti ebbe origine a New York nei primi anni '60. I suoi circa 20 praticanti più attivi e influenti erano per lo più ballerini addestrati che lavoravano ai margini dell'establishment del mondo della danza e i loro colleghi artisti visivi, i quali riconoscevano che una delle cose che la danza poteva essere era un tipo di arte concettuale o performativa, altri movimenti allora fiorenti e di media sfocatura che consideravano il corpo tridimensionale come un ready-made duchampiano. Insieme, questo gruppo ha riorganizzato il vocabolario comune della danza e ha ridefinito chi potrebbe essere visto come un ballerino, il che ha inevitabilmente avuto implicazioni oltre il regno della composizione, capovolgendo i presupposti sulla bellezza e sui corpi in un momento non dissimile dal nostro.

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Sebbene stilisticamente divergente, la danza postmoderna tendeva a rifiutare i movimenti virtuosistici a favore di quelli pedonali come camminare, accovacciarsi, dimenarsi e cadere - prendi il pezzo di Rainer del 1963 "We Shall Run", in cui i ballerini hanno mantenuto la parola data. Abbracciava anche l'umorismo e un senso dell'assurdo dadaista, come evidenziato da "Carnation" (1964) di Lucinda Childs, in cui l'artista le metteva uno scolapasta sulla testa e una pila di spugne per piatti a ventaglio in bocca, o il canto di David Gordon di "Second Hand Rose" e "Get Married, Shirley" durante la prima esibizione della sua "Mannequin Dance" (1962), che ha concepito mentre si trovava nella sua vasca da bagno. "'Il lago dei cigni' non è così", l'editorialista settimanale del New York Times Grace Glueck ha riferito di aver sentito per caso al First New York Theatre Rally nel 1965, che presentava un'opera di danza dell'artista Robert Rauschenberg che combinava tartarughe vive, cracker salati e un routine di tap campy della ballerina Deborah Hay.

Fino ad allora, pensare alla danza era stato, come una volta lamentò Gordon, "particolarmente conservatore", con la storia della danza occidentale performativa che si svolgeva piuttosto a parte dalle altre arti e consisteva in gran parte nel balletto (che aveva roteato sul posto dal 1600 fino al suo neo- La derivazione classica è stata sviluppata da George Balanchine) e moderna (che gli sperimentalisti ritenevano eccessivamente e falsamente espressive). Il movimento postmoderno non è stato esattamente un rifiuto stridente di tutto ciò che era accaduto prima: "Penso che ci fosse una domanda: 'Perché queste persone prendono il balletto se portano solo materassi in giro?' Ma sentivo che era importante per ballerini di avere una certa disciplina”, afferma Childs. Disciplina, però, non significava favorire quello che era considerato un corpo ballerino, con gambe lunghe e buona affluenza. I coreografi postmoderni hanno affiancato danzatori preparati e non, ma anche più o meno tonici, facendo a meno della struttura e della struttura organizzativa delle compagnie formali in modo da privilegiare la mente e i movimenti dell'individuo. Nella danza decostruita, poi, sono riusciti a democratizzarla.

"Sentiamo ancora i riverberi di quel momento", afferma la coreografa di New York Pam Tanowitz, che potrebbe essere descritta come una postmoderna contemporanea. In un certo senso, infatti, li sentiamo più che mai. La danza postmoderna si è sviluppata insieme agli sconvolgimenti artistici e sociali, in particolare al femminismo della seconda ondata e, sebbene non fosse spesso espressamente politico su cose diverse dall'estetica - "non c'era un programma specifico", afferma Childs - i primi campioni dello stile, molti dei che erano donne, cercavano modi alternativi di muoversi nello spazio e, per estensione, nella vita. Il loro lavoro è un promemoria, mentre viviamo attraverso la nostra resa dei conti sul controllo e il maltrattamento dei corpi delle donne, della validità in corso di quella ricerca.

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PARTE DEL potere della danza POSTMODERN risiedeva nel fatto che, nonostante tutta la sua estraneità, era anche familiare. Qui c'erano movimenti presi dalla strada o da casa ed eseguiti da corpi abili ma semplicemente umani in ambienti intimi, vale a dire nelle gallerie del centro, nei loft o nella libera Judson Memorial Church nel Greenwich Village, nel santuario principale o sulle linee dipinte del seminterrato campo da basket. Come nella vita, i gesti spesso mancano di accompagnamento musicale: i ballerini hanno preso molti spunti dal compositore John Cage, famoso soprattutto per la sua composizione "4'33", in cui non viene suonata musica per tutta la durata del titolo, gli unici rumori provenienti dall'ambiente che circonda la performance — e dal partner di Cage, il coreografo Merce Cunningham, che ha applicato al movimento le stesse teorie dell'indeterminazione che si trovano nella musica di Cage. Cunningham, che quest'anno avrebbe compiuto 100 anni, a volte lanciava una moneta per decidere la mossa successiva, conferendo al suo lavoro una qualità non lineare, simile a un collage.

Queste erano idee esplorate simultaneamente nell'arte visiva, che era impegnata in un simile ripristino dei confini poiché Pop, Minimalismo e arte concettuale sostituivano l'Espressionismo astratto, con il quale la danza moderna era strettamente allineata per uno, entrambi erano preoccupati di lavorare sul pavimento, poiché nei dipinti di Jackson Pollock e nelle danze di Martha Graham. Tuttavia, i postmodernisti rimasero entusiasti della gravità. Alcuni coreografi venivano a trattare il pavimento come un compagno di ballo, proprio come artisti multidisciplinari come Ana Mendieta e Bruce Nauman lo usavano nelle loro performance come luogo di rigenerazione simbolica o di contorsioni inebrianti. ("Una volta, dopo avermi visto esibirmi, mio ​​padre disse: 'Beh, è ​​stato molto bello, ma ora che hai 40 anni, forse dovresti pensare di alzarti in piedi'", dice Forti.) Nel 1960 e nel 1961, prima alla Reuben Gallery nell'East Village e poi di nuovo al loft di Chambers Street di Yoko Ono, Forti ha mostrato “Dance Constructions”, una coreografia incentrata su una serie di strutture fisiche (una tavola inclinata, una corda sospesa), che ha creato dopo imbattersi in immagini dell'artista giapponese Saburo Murakami che irrompe attraverso una fila di schermi di carta. In una delle sue costruzioni, un ritratto astratto di un dramma domestico, Rainer e l'artista Robert Morris, l'allora marito di Forti, dondolavano su e giù dalle estremità opposte di un'altalena di legno. Forti considerava il suo lavoro tanto la danza quanto la scultura, i suoi interpreti umani oggetti d'arte come qualsiasi altro – ma poco importava, poiché, per questa breve ed eccezionale finestra, arte, danza e musica erano quasi sinonimi.

Se l'accettazione della danza postmoderna come arte visiva è stata alimentata dal puro concettualismo della forma, è stata aiutata dai suoi partecipanti di genere. La scena artistica di New York degli anni '60 era notoriamente piccola e di conseguenza le discipline si fondevano insieme. Oltre a Rauschenberg e Morris, artisti visivi più noti come pittori e scultori come Alex Hay, Carolee Schneemann, Red Grooms e Andy Warhol facevano tutti parte della più grande scena di Judson. "Bob [Rauschenberg] era con [il ballerino] Steve Paxton e io con Alex e per un po' siamo stati un piccolo quartetto", dice Deborah Hay. "A Bob piaceva cucinare per le persone, quindi andavamo a casa sua per una bistecca o un'aragosta e poi andavamo tutti a ballare al Max's Kansas City". Come dice l'artista di danza Ralph Lemon, "Il fatto che queste persone stessero dormendo insieme non viene discusso abbastanza", aggiungendo che lo scambio tra arte e danza in quel momento deve essere stato "viscerale".

Il limone è apparso alla fine degli anni '70, quando il nuovo la nuova danza stava infondendo le costruzioni postmoderne con un esplicito commento sociale, ed è stato fortemente influenzato da ciò che chiama il "lignaggio delle donne bianche" della danza. È vero che la scena del centro a quel tempo includeva pochi artisti di colore - uptown, Alvin Ailey stava guidando la sua rivoluzione della danza - ed è anche vero che, semplicemente perché erano sempre state lì, le donne nella danza detenevano il potere non necessariamente quelli di altri ambiti artistici. "Abbiamo tutti imparato lo stesso movimento", dice Rainer. "A metà degli anni '60 chiedevo alle donne di sollevare gli uomini". Ana Janevski, curatrice della recente mostra del Museum of Modern Art "Judson Dance Theatre: The Work Is Never Done", crede che lo spirito di corpo di Judson avesse una tendenza "proto-femminista". "Si trattava essenzialmente di un gruppo di donne che lavoravano insieme in modo democratico e cercavano materiale nella propria vita", dice. Per il pezzo di tartaruga di Rauschenberg, Brown ha ballato nel suo abito da sposa.

Col tempo, però, il momento dell'equilibrio è passato e la comunità è crollata, la realtà stessa fungeva da partitura. Dopo l'ultimo concerto di danza di Judson nel 1964, Childs ha insegnato per cinque anni alla scuola elementare per mantenersi prima di tornare sul campo. Il ritorno di Rainer, dopo una lunga carriera di film sperimentali, è arrivato molto più tardi, nel 2000. Forti ha vissuto per un periodo a Roma, incrociando i percorsi con il movimento dell'Arte Povera, e Deborah Hay alla fine è sbarcata ad Austin, dove ha ospitato laboratori di gruppo. Anche negli anni '60, dice Hay, quando artisti visivi e ballerini erano intensamente collaborativi, erano ancora divisi sulla questione delle finanze: erano gli artisti visivi che avevano soldi. Quel divario si è solo ampliato man mano che l'arte contemporanea diventava sempre più costosa e, negli anni '80, le istituzioni artistiche avevano pochi incentivi a investire in qualcosa di intrinsecamente effimero e quindi quasi impossibile da possedere come performance. In questo periodo, Childs si è professionalizzata avviando la sua compagnia di danza e si è allontanata sempre più dalla comunità delle arti visive, esibendosi su palchi di proscenio più tradizionali. Il lavoro, però, è rimasto radicale. In una delle prime proiezioni della seminale "Dance" di Childs (1979), i cui salti e frasi tecnicamente semplici creano complicati motivi sul pavimento che evocano i disegni al tratto di Sol LeWitt, uno dei collaboratori di Childs sul pezzo, uno spettatore scontento ha lanciato uova .

QUEGLI ANNI CI HANNO AIUTATO a intendere il corpo non solo come strumento per fare arte ma come campo di battaglia. Deborah Hay parla della ricerca di un proprio linguaggio per il movimento negli anni post-Judson e della pratica come protesta: “Sono stata coreografata come una donna. Sono stata coreografata come una donna anziana. Sono stato coreografato come un liberale. Sono stato coreografato come ebreo. Sono stata coreografata come una donna single. Sono stata coreografata come una madre", dice. “Quando ballo, cerco di Ingrandire quella coreografia». A 77 anni, trascorre ancora tutte le mattine in studio. Alla fine, però, il cosiddetto movimento ordinario lo diventa meno. Una delle cose che fa separare il lavoro di una ballerina da quello di un pittore, diciamo, è che deve cambiare insieme al suo corpo. Rainer, ora 84enne, ha incorporato del testo nel suo lavoro recente e si è data il ruolo di lettrice. Childs, 78 anni, per lo più coreografa per altri in questi giorni, ma ha ballato il suo lavoro del 1973 "Particular Reel" come parte della mostra Judson del MoMA lo scorso autunno, i suoi gesti misurati sono ancora sicuri e la sua presenza ancora potente. È una cosa sorprendente vedere lei e i suoi contemporanei sul palco o semplicemente muoversi attraverso una stanza (come ha fatto Forti durante la nostra intervista per recuperare una poesia che aveva scritto quella settimana), sapendo che potremmo non avere molto più tempo con questi testimoni e architetti di un tempo straordinario. "Loro sono qui", dice Limone. “Proprio davanti a noi. Hanno messo questi corpi con poche informazioni fisiche rimaste da dare, e in quella riduzione necessaria c'è qualcosa di profondo".

"Questa è una specie di ultima possibilità per buttare giù tutto", dice Tanowitz dei recenti tentativi di compagnie e istituzioni d'arte contemporanee, dal MoMA al Walker Art Center di Minneapolis, che hanno acquisito pezzi di ballerini come Brown e Monk per le loro collezioni , per preservare i primi contributi postmoderni ricostruendo spartiti e rimaneggiando le opere. (Brown è morta nel 2017, ma la sua compagnia sopravvive, tenendo ancora le prove nel suo loft al 541 di Broadway.) Anche gli artisti più giovani si sono assunti la responsabilità della conservazione e della ricontestualizzazione.Nel 2017, l'artista Adam Pendleton ha realizzato un video ritratto di Rainer che alterna filmati del 1978 in cui balla la sua sequenza minimalista del "Trio A" e scene odierne della sua lettura testo trovato che racconta le morti di neri americani tra cui Eric Garner e riso Tamir. In questa rivisitazione, i passi rapidi e attenti di Rainer diventano appelli per uno spazio in cui i corpi possono muoversi liberamente, senza restrizioni di razza, genere o status di immigrazione.

Halprin, che all'inizio vedeva la danza come un correttivo sociale e un percorso di guarigione personale, creando un lavoro basato sulla comunità con l'organizzazione artistica Studio Watts Workshop dopo le rivolte di Watts del 1965 e con le persone con AIDS negli anni '80, è anche in sintonia con il più piccole ingiustizie della vita moderna. "Quello è un grafico", mi ha detto di uno degli studenti nel suo studio in California. “Quando altro avrà la possibilità di connettersi al suo spirito? Lui no." La maggior parte di queste donne esita a descrivere la danza - e la loro in particolare - come spirituale, ma, se si è scartato un approccio basato sulla tecnica per cui si balla per diventare più bravi a ballare, un obiettivo alternativo, era abbondantemente chiaro sul ponte di ballo. , è gioia. Com'è incoraggiante che questa gioia possa essere disponibile per chiunque sia disposto a cercarla. Alla fine della lezione, gli studenti si sono riuniti sul ponte intorno ad Halprin, che era avvolta in una coperta di lana che indossava come studentessa di danza nel Midwest negli anni '30, come ha descritto di aver visto un'interpretazione del suo lavoro del 1965 "Parades and Changes”, in cui un gruppo di ballerini si spoglia lentamente, si è esibito al de Young Museum di San Francisco lo scorso ottobre. "La mia pronipote di 9 anni era lì e ha iniziato a dire a suo padre: 'Vedi, papà, il movimento ordinario può diventare arte. Devi solo farlo con consapevolezza.'”


Postmodernismo

Il postmodernismo si riferisce in generale a una teoria socio-culturale e letteraria e a un cambiamento di prospettiva che si è manifestato in una varietà di discipline tra cui le scienze sociali, l'arte, l'architettura, la letteratura, la moda, le comunicazioni e la tecnologia. È generalmente accettato che il cambiamento di percezione postmoderno sia iniziato verso la fine degli anni '50 e probabilmente stia ancora continuando. Il postmodernismo può essere associato ai cambiamenti di potere e alla disumanizzazione dell'era post-seconda guerra mondiale e all'assalto del capitalismo consumistico.

Il termine stesso Postmodernismo implica una relazione con il Modernismo. Il modernismo era un movimento estetico precedente che era in voga nei primi decenni del ventesimo secolo. È stato spesso detto che il postmodernismo è allo stesso tempo una continuazione e una rottura con la posizione modernista.

Il postmodernismo condivide molte delle caratteristiche del modernismo. Entrambe le scuole rifiutano i rigidi confini tra arte alta e arte bassa. Il postmodernismo va anche a. fare un passo avanti e mescolare deliberatamente l'arte bassa con l'arte alta, il passato con il futuro o un genere con un altro. Tale mescolanza di elementi diversi e incongrui illustra l'uso del Postmodernismo della parodia spensierata, che è stato utilizzato anche dal Modernismo. Entrambe queste scuole impiegavano anche il pastiche, che è l'imitazione dello stile di un altro. La parodia e il pastiche servono a evidenziare l'auto-riflessività delle opere moderniste e postmoderniste, il che significa che parodia e pastiche servono a ricordare al lettore che l'opera non è “reale” ma fittizia, costruita. Anche le opere moderniste e postmoderne sono frammentate e non trasmettono facilmente, direttamente un significato solido. Cioè, queste opere sono consapevolmente ambigue e lasciano il posto a molteplici interpretazioni. L'individuo o il soggetto raffigurato in queste opere è spesso decentrato, senza un significato o uno scopo centrale nella vita, e disumanizzato, perdendo spesso caratteristiche individuali e diventando semplicemente il rappresentante di un'epoca o di una civiltà, come Tiresia in La terra desolata.

In breve, Modernismo e Postmodernismo danno voce alle insicurezze, al disorientamento e alla frammentazione del mondo occidentale del XX secolo. Il mondo occidentale, nel XX secolo, ha iniziato a sperimentare questo profondo senso di sicurezza perché ha perso progressivamente le sue colonie nel Terzo Mondo, logorato da due grandi guerre mondiali e ha trovato le sue basi intellettuali e sociali tremare sotto l'impatto delle nuove teorie sociali sviluppi come il marxismo e le migrazioni globali postcoloniali, le nuove tecnologie e il passaggio di potere dall'Europa agli Stati Uniti. Sebbene sia il Modernismo che il Postmodernismo utilizzino la frammentazione, la discontinuità e il decentramento nel tema e nella tecnica, la dissomiglianza di base tra le due scuole è nascosta proprio in questo aspetto.

Il modernismo proietta come tragica la frammentazione e il decentramento del mondo contemporaneo. Deplora la perdita dell'unità e del centro della vita e suggerisce che le opere d'arte possono fornire l'unità, la coerenza, la continuità e il significato che si perdono nella vita moderna. Così Eliot si lamenta che il mondo moderno è un deserto sterile, e la frammentazione, l'incoerenza, di questo mondo è effettuata nella struttura del poema. Tuttavia, The Waste Land cerca di recuperare il significato perduto e l'unità organica rivolgendosi alle culture orientali, e nell'uso di Tiresia come protagonista

Nel postmodernismo, la frammentazione e il disorientamento non sono più tragici. Il postmodernismo invece celebra la frammentazione. Considera la frammentazione e il decentramento come l'unico modo di esistere possibile, e non cerca di sfuggire a queste condizioni.

È qui che il postmodernismo incontra il poststrutturalismo: sia il postmodernismo che il poststrutturalismo riconoscono e accettano che non è possibile avere un centro coerente. In termini derridiani, il centro si muove costantemente verso la periferia e la periferia si muove costantemente verso il centro. In altre parole, il centro, che è la sede del potere, non è mai del tutto potente. Diventa continuamente impotente, mentre la periferia impotente cerca continuamente di acquisire potere. Di conseguenza, si può sostenere che non c'è mai un centro, o che ci sono sempre più centri. Questo rinvio dell'acquisizione del potere da parte del centro o del mantenimento della sua posizione è ciò che Derrida chiamava differance. Nella celebrazione della frammentazione del postmodernismo, c'è quindi una credenza di fondo nella differenza, una credenza che l'unità, il significato, la coerenza siano continuamente rimandati.

L'incredulità postmodernista nella coerenza e nell'unità indica un'altra distinzione fondamentale tra Modernismo e Postmodernismo. Il modernismo crede che la coerenza e l'unità siano possibili, sottolineando così l'importanza della razionalità e dell'ordine. L'assunto di base del Modernismo sembra essere che più razionalità porti a più ordine, che porta una società a funzionare meglio. Per stabilire il primato dell'Ordine, il Modernismo crea costantemente il concetto di Disordine nella sua rappresentazione dell'Altro, che include il non bianco, il non maschio, il non eterosessuale, il non adulto, il non razionale e così via. In altre parole, per stabilire la superiorità dell'Ordine, il Modernismo crea l'impressione che tutte le comunità marginali, periferiche, come i non bianchi, i non maschi ecc. siano contaminate dal Disordine. Il postmodernismo, tuttavia, va all'estremo opposto. Non dice che alcune parti della società illustrino l'Ordine e che altre parti illustrino il Disordine. Il postmodernismo, nella sua critica all'opposizione binaria, suggerisce addirittura cinicamente che tutto è Disordine.

La credenza modernista nell'ordine, nella stabilità e nell'unità è ciò che il pensatore postmoderno Lyotard chiama una metanarrativa. Il modernismo funziona attraverso metanarrative o grandi narrazioni, mentre il postmodernismo interroga e decostruisce le metanarrative. Una metanarrativa è una storia che una cultura racconta a se stessa riguardo alle sue credenze e pratiche. Ad esempio, l'India si dice che è un paese democratico e laico, sebbene ci siano numerose fazioni e pratiche antidemocratiche e antisecolari in India. In altre parole, l'India si fa credere alla menzogna di essere un paese democratico e laico. Democrazia e laicità sono quindi metanarrative. In breve, le metanarrative creano e propagano concezioni grandiose ma false di una società e di una cultura. Questi includono la dipendenza di una società da concetti come verità oggettiva, progresso, ordine e unità.

Il postmodernismo comprende che le grandi narrazioni nascondono, mettono a tacere e negano contraddizioni, instabilità e differenze inerenti a qualsiasi sistema sociale. Il postmodernismo privilegia “mini-narrazioni,” storie che spiegano piccole pratiche ed eventi locali, senza pretendere universalità e finalità. Il postmodernismo si rende conto che la storia, la politica e la cultura sono grandi narrazioni dei detentori del potere, che comprendono falsità e verità incomplete.

Dopo aver decostruito la possibilità di una realtà stabile e permanente, il Postmodernismo ha rivoluzionato il concetto di linguaggio. Il modernismo considerava il linguaggio uno strumento razionale e trasparente per rappresentare la realtà e le attività della mente razionale. Nella visione modernista, il linguaggio è rappresentativo di pensieri e cose. Qui, i significanti indicano sempre i significati. Nel Postmodernismo, invece, ci sono solo superfici, niente profondità. Un significante qui non ha significato, perché non c'è realtà da significare.

Il filosofo francese Baudrillard ha concettualizzato la cultura di superficie postmoderna come un simulacro. Un simulacro è una realtà virtuale o falsa simulata o indotta dai media o da altri apparati ideologici. Un simulacro non è semplicemente un'imitazione o una duplicazione: è la sostituzione dell'originale con un'immagine simulata e falsa. Il mondo contemporaneo è un simulacro, dove la realtà è stata così sostituita da false immagini. Ciò significherebbe, ad esempio, che la guerra del Golfo che conosciamo dai giornali e dai servizi televisivi non ha alcun legame con quella che può essere definita la "vera" guerra in Iraq. L'immagine simulata della guerra del Golfo è diventata così tanto più popolare e reale della guerra reale, che Baudrillard sostiene che la Guerra del Golfo non ha avuto luogo. In altre parole, nel mondo postmoderno non ci sono originali, solo copie senza territori, solo mappe senza realtà, solo simulazioni. Qui Baudrillard non sta solo suggerendo che il mondo postmoderno è artificiale, sta anche insinuando che abbiamo perso la capacità di discriminare tra il reale e l'artificiale.

Così come abbiamo perso il contatto con la realtà della nostra vita, ci siamo anche allontanati dalla realtà dei beni che consumiamo. Se i media costituiscono una forza trainante della condizione postmoderna, il capitalismo multinazionale e la globalizzazione sono un'altra. Fredric Jameson ha messo in relazione il Modernismo e il Postmodernismo con la seconda e la terza fase del capitalismo. La prima fase del capitalismo dei secoli XVIII-XIX, denominata Capitalismo di mercato, ha visto il primo sviluppo tecnologico come quello del motore a vapore, e corrispondeva alla fase realista. L'inizio del XX secolo, con lo sviluppo dei motori elettrici ea combustione interna, ha visto l'inizio del capitalismo monopolistico e del modernismo. L'era postmoderna corrisponde all'era delle tecnologie nucleari ed elettroniche e del capitalismo dei consumatori, dove l'enfasi è sul marketing, la vendita e il consumo piuttosto che sulla produzione. Il mondo disumanizzato, globalizzato, cancella le identità individuali e nazionali, a favore del marketing multinazionale.

Risulta quindi chiaro da questa esposizione che ci sono almeno tre diverse direzioni prese da Postmodernim, relative alle teorie di Lyotard, Baudrillard e Jameson. Anche il postmodernismo affonda le sue radici nelle teorie di Habermas e Foucault. Inoltre, il postmodernismo può essere esaminato da un punto di vista femminista e postcoloniale. Pertanto, non si possono individuare i principi del Postmodernismo in modo definitivo, perché c'è una pluralità nella costituzione stessa di questa teoria.

Il postmodernismo, nella sua negazione di una verità o realtà oggettiva, sostiene con forza la teoria del costruttivismo, l'argomento anti-essenzialista secondo cui tutto è costruito ideologicamente. Il postmodernismo ritiene che i media siano in gran parte responsabili della “costruzione” delle nostre identità e delle realtà quotidiane. In effetti, il postmodernismo si è sviluppato in risposta al boom contemporaneo dell'elettronica e delle tecnologie di comunicazione e alla sua rivoluzione del nostro vecchio ordine mondiale.

Il costruttivismo porta invariabilmente al relativismo. Le nostre identità sono costruite e trasformate in ogni momento in relazione al nostro ambiente sociale. Quindi c'è spazio per identità multiple e diverse, verità multiple, codici morali e visioni della realtà.

La comprensione che una verità oggettiva non esiste ha invariabilmente portato l'accento del postmodernismo a ricadere sulla soggettività. La soggettività stessa è ovviamente plurale e provvisoria. L'accento sulla soggettività porterà naturalmente a un rinnovato interesse per le esperienze locali e specifiche, piuttosto che per l'universale e astratto che è sulle mini-narrazioni piuttosto che sulle grandi narrazioni.

Infine, tutte le versioni del Postmodernismo si affidano al metodo della Decostruzione per analizzare le situazioni socio-culturali. Il postmodernismo è stato spesso criticato con veemenza. La caratteristica fondamentale del Postmodernismo è l'incredulità, che nega le realtà e le esperienze sociali e personali. È facile affermare che la Guerra del Golfo o la Guerra in Iraq non esistono, ma allora come si spiegano le morti, la perdita e il dolore di milioni di persone vittime di queste guerre? Inoltre, il postmodernismo promuove un profondo cinismo sull'unica forza sostenitrice della vita sociale: la cultura. Lavando completamente il terreno sotto i nostri piedi, le presunzioni ideologiche su cui è costruita la civiltà umana, il Postmodernismo genera nelle società contemporanee un sentimento di mancanza e insicurezza, essenziale per il sostentamento di un ordine mondiale capitalistico. Alla fine, quando il Terzo mondo iniziò ad affermarsi sul potere egemonico eurocentrico, il postmodernismo si era precipitato con l'avvertimento che il potenziamento della periferia è solo transitorio e temporaneo e che proprio come l'Europa non poteva mantenere a lungo il suo potere imperialistico, anche il potere ritrovato delle antiche colonie è in fase di cancellazione.

In letteratura, il postmodernismo (facendo molto affidamento su frammentazione, decostruzione, giocosità, narratori discutibili, ecc.) ha reagito contro le idee illuministe implicite nella letteratura modernista – informata dal concetto di Lyotard di “metanarrativa”, concetto di Derrida di “play”, e “simulacra.” di Budrillard’. Deviando dalla ricerca modernista di significato in un mondo caotico, il postmoderno. gli scrittori evitano, spesso scherzosamente, la possibilità del significato, e il romanzo postmoderno ne è spesso una parodia. ricerca. Contrassegnati da una sfiducia nei meccanismi totalizzanti e nell'autoconsapevolezza, gli scrittori postmoderni spesso celebrano il caso sull'artigianato e utilizzano la metanarrativa per minare l'univocazione dell'autore. La distinzione tra cultura alta e bassa viene attaccata anche con l'impiego del pastiche, la combinazione di più elementi culturali tra cui soggetti e generi non precedentemente ritenuti idonei per la letteratura. La letteratura postmoderna può essere considerata come un termine generico per gli sviluppi del dopoguerra in letteratura come Theatre of the Absurd, Beat Generation e Magical Realism.

La letteratura postmoderna, come espressa negli scritti di Beckett, Robbe Grillet, Borges, Marquez, Naguib Mahfouz e Angela Carter, si basa sul riconoscimento della natura complessa della realtà e dell'esperienza, sul ruolo del tempo e della memoria nella percezione umana, del sé e il mondo come costruzioni storiche e la problematicità del linguaggio.

La letteratura postmoderna raggiunse il suo apice negli anni 󈨀 e 󈨊 con la pubblicazione di Catch-22 di Joseph Heller, Lost in the Funhouse e Sot-Weed Factor di John Barth, Gravity’s Rainbow, V. e Crying of Lot 49 di Thomas Pynchon, “fazioni” come Armies in the Night e In Cold Blood di Norman Mailer e Truman Capote, romanzi di fantascienza postmoderna come Neoromancer di William Gibson, Slaughterhouse-Five di Kurt Vonnegut e molti altri. Alcuni hanno dichiarato la morte del postmodernismo negli anni 󈨔’ con una nuova ondata di realismo rappresentata e ispirata da Raymond Carver. Tom Wolfe nel suo articolo del 1989 Stalking the Billion-Footed Beast ha chiesto una nuova enfasi sul realismo nella finzione per sostituire il postmodernismo. Con questa nuova enfasi sul realismo in mente, alcuni hanno dichiarato White Noise in (1985) o The Satanic Verses (1988) come gli ultimi grandi romanzi dell'era postmoderna.

Il film postmoderno descrive l'articolazione delle idee del postmodernismo attraverso il mezzo cinematografico, sconvolgendo le convenzioni tradizionali della struttura narrativa e della caratterizzazione e distruggendo (o giocando con) la sospensione dell'incredulità del pubblico, creando un'opera che si esprimono attraverso logiche interne meno riconoscibili. Due di questi esempi sono Two Friends di Jane Campion, in cui la storia di due studentesse viene mostrata in segmenti a episodi disposti in ordine inverso e The French Lieutenant's Woman di Karel Reisz, in cui la storia si svolge sullo schermo si rispecchia nelle vite private degli attori che lo interpretano, che anche il pubblico vede. Tuttavia, Baudrillard ha soprannominato l'epico spaghetti western del 1968 di Sergio Leone C'era una volta il West come il primo film postmoderno. Altri esempi includono 24 Hour Party People di Michael Winterbottom, Satyricon e Amarcord di Federico Fellini, Mulholland Drive di David Lynch, Pulp Fiction di Quentin Tarantino.

Nonostante gli argomenti piuttosto tesi e cinici del postmodernismo, la teoria ha esercitato un'influenza fondamentale sul pensiero della fine del XX secolo. Ha infatti rivoluzionato tutti i campi dell'indagine intellettuale in vari gradi.


Art Nouveau

L'Art Nouveau era uno stile internazionale di arte e architettura che era più popolare dal 1890 al 1910.

Obiettivi formativi

Descrivi le origini e le caratteristiche dell'Art Noveau

Punti chiave

Punti chiave

  • L'Art Nouveau era uno stile internazionale di arte e architettura che era più popolare dal 1890 al 1910. Il nome “Art Nouveau” è francese per “nuova arte.” Le origini dell'Art Nouveau si trovano nella resistenza dell'artista William Morris alle composizioni disordinate e alle tendenze revival del XIX secolo.
  • Una reazione all'arte accademica del XIX secolo, l'Art Nouveau è stato ispirato da forme e strutture naturali, esemplificate da linee curve, asimmetria, motivi naturali e intricati abbellimenti.
  • L'Art Nouveau è considerato uno "stile totale", il che significa che ha pervaso molte forme di arte e design come l'architettura, l'interior design, le arti decorative e le arti visive. Secondo la filosofia dello stile, l'arte dovrebbe sforzarsi di essere uno stile di vita.

Parole chiave

  • Art Nouveau: L'Art Nouveau è una filosofia e uno stile internazionale di arte, architettura e arte applicata, in particolare le arti decorative, che era più popolare durante il 1890-1910.
  • giapponese: L'influenza dell'arte e della cultura giapponese sull'arte europea.
  • sincopato: Una varietà di ritmi musicali che arrivano inaspettati.

Sfondo

L'Art Nouveau è uno stile internazionale di arte e architettura che fu più popolare dal 1890 al 1910 d.C. Il nome Art Nouveau è francese per “nuova arte.” Una reazione all'arte accademica del XIX secolo, è stata ispirata da forme e strutture naturali, non solo nei fiori e nelle piante, ma anche nelle linee curve. È anche considerata una filosofia del design del mobile. I mobili Art Nouveau sono strutturati secondo l'intero edificio e fanno parte della vita ordinaria. L'Art Nouveau era più popolare in Europa, ma la sua influenza era globale. È uno stile molto vario con frequenti tendenze localizzate.

Art Nouveau: Barcellona: La Casa Batlló, già costruita nel 1877, fu ristrutturata nella manifestazione di Barcellona dell'Art Nouveau, modernismo, da Antoni Gaudí e Josep Maria Jujol nel 1904–1906.

Prima che il termine Art Nouveau diventasse comune in Francia, lo stile moderno (“lo stile moderno”) era la designazione più frequente. Maison de l’Art Nouveau era il nome della galleria iniziata nel 1895 dal mercante d'arte tedesco Samuel Bing a Parigi che presentava esclusivamente arte moderna. La fama della sua galleria è aumentata all'Exposition Universelle del 1900, dove ha presentato installazioni coordinate di mobili moderni, arazzi e oggetti d'arte. Questi display decorativi divennero così fortemente associati allo stile, che il nome della sua galleria in seguito fornì un termine comunemente usato per l'intero stile. Allo stesso modo, Jugend (Gioventù) era il settimanale illustrato di arte e stile di vita di Monaco, fondato nel 1896 da Georg Hirth. Jugend è stato determinante nella promozione dello stile Art Nouveau in Germania. Di conseguenza, Jungenstil, o Youth Style, divenne la parola tedesca per lo stile.

Origini dell'Art Nouveau

Le origini dell'Art Nouveau si trovano nella resistenza dell'artista William Morris alle composizioni disordinate e alle tendenze revivaliste del XIX secolo. Le sue teorie hanno contribuito ad avviare il movimento Art Nouveau. All'incirca nello stesso periodo, la prospettiva piatta e i colori forti delle stampe giapponesi su blocchi di legno, in particolare quelle di Katsushika Hokusai, hanno avuto un forte effetto sulla formulazione dell'Art Nouveau. Il japonisme che era popolare in Europa durante gli anni 1880 e 1890 è stato particolarmente influente su molti artisti con le sue forme organiche e i riferimenti al mondo naturale.

Sebbene l'Art Nouveau abbia acquisito tendenze distintamente localizzate man mano che la sua diffusione geografica aumentava, alcune caratteristiche generali sono indicative della forma. Una descrizione pubblicata sulla rivista Pan dell'attaccatura murale di Hermann Obrist Ciclamino (1894), lo descrisse come "curve improvvise e violente generate dallo schiocco di una frusta", che divennero ben note durante la prima diffusione dell'Art Nouveau. Successivamente, il termine “colpo di frusta” viene spesso applicato alle curve caratteristiche utilizzate dagli artisti dell'Art Nouveau. Tali motivi decorativi “colpo di frusta”, formati da linee dinamiche, ondulate e fluenti in un ritmo sincopato, si trovano in tutta l'architettura, la pittura, la scultura e altre forme di design Art Nouveau.

Art Nouveau come stile totale

L'Art Nouveau è ora considerato uno "stile totale", il che significa che può essere visto nell'architettura, nell'interior design, nelle arti decorative (compresi mobili di gioielleria, tessuti, argento per la casa e altri utensili e illuminazione) e nelle arti visive. Secondo la filosofia dello stile, l'arte dovrebbe sforzarsi di essere uno stile di vita, e quindi comprendere tutte le parti. Per molti europei era possibile vivere in una casa di ispirazione Art Nouveau con mobili Art Nouveau, argenteria, stoviglie, gioielli, portasigarette, ecc. Gli artisti desideravano quindi unire le belle arti e le arti applicate, anche per oggetti utili.

Scrivania e sedia di Hector Guimard, 1909–12: La lavorazione del legno curva e serpentina vista su questa scrivania è caratteristica dell'Art Nouveau, che spesso traeva influenze stilistiche dal mondo naturale.

L'Art Nouveau nell'architettura e nell'interior design ha evitato gli eclettici stili revival del XIX secolo. I designer Art Nouveau hanno selezionato e “modernizzato” alcuni degli elementi più astratti dello stile rococò, come le trame delle fiamme e delle conchiglie. Hanno anche sostenuto l'uso di forme organiche molto stilizzate come fonte di ispirazione, ampliando il loro repertorio naturale per utilizzare alghe, erbe e insetti.

Il portale di place Etienne Pernet, 24 (Paris 15e), 1905 di Alfred Wagon, architetto.: L'influenza asimmetrica e curvilinea del mondo naturale è ancora visibile nella lavorazione in ferro di questo portale in Place Etienne Pernet a Parigi.

Nella pittura Art Nouveau, i pezzi bidimensionali venivano disegnati e stampati in forme popolari come pubblicità, poster, etichette e riviste. Anche le stampe giapponesi su blocchi di legno, con le loro linee curve, superfici modellate, vuoti contrastanti e planarità del piano visivo, hanno ispirato la pittura Art Nouveau. Alcuni modelli di linee e curve sono diventati cliché grafici che sono stati successivamente trovati in opere di artisti provenienti da molte parti del mondo.

La gonna di pavone di Aubrey Beardsley, 1893: Aubrey Beardsley è un artista noto per i suoi poster e spesso associato all'Art Nouveau per il suo uso di elaborati motivi decorativi e ampie linee curvilinee.


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